tag:blogger.com,1999:blog-51210652464389632472024-03-18T21:08:40.592-07:00Archives de quelques critiques de Laurent BourdelasQuelques archives - écrits critiques de Laurent Bourdelas, historien, écrivain et critique, spécialiste de l'histoire culturelle.
Reproduction/citation interdite sans autorisation.Unknownnoreply@blogger.comBlogger111125tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-57667981316016799012019-03-27T10:07:00.001-07:002019-03-27T10:42:26.521-07:00Dom Juan ou Le Festin de Pierre Un spectacle de Jean Lambert-wild et Lorenzo Malaguerra<!--[if gte mso 9]><xml>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">En 1991, j’avais aimé le <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Don
Juan d’origine </i>de Louise Doutreligne, ou la représentation improbable du
Don Juan de Tirso de Molina par les Demoiselles du Collège de Saint-Cyr en l’an
1696, d’après Tirso de Molina et la correspondance de Madame de Maintenon, une
pièce mise en scène comme toujours avec talent par Jean-Luc Paliès. Le beau spectacle
de Jean Lambert-wild et de Lorenzo Malaguerra vient à nouveau de me réjouir, de
manière différente. En 1957, dans le <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bulletin
hispanique</i>, Charles-V. Aubrun écrivait, à propos de la pièce de Tirso de
Molina, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El burlador de Sevilla</i> :
« … le personnage se prête volontiers à une interprétation toute
moderne : étranger dans un monde sans lois valables, il se damne en toute
lucidité ; seul, il assume son destin. » La version proposée à
L’Union est tirée, inspirée, à la fois par Molière, mais aussi par « le mythe
de Don Juan », après « la lecture de mille et une versions
littéraires, théâtrales et fantasques du mythe ». Et dans ceux qui ont
réfléchi [à]et construit ce mythe, on songe aussi inévitablement à Albert
Camus, dont on se souvient qu’il fit l’apologie de Don Juan dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Le Mythe de Sisyphe</i>, faisant de lui un
exemple de l’homme absurde, en tant que personnage séducteur, conquérant et
acteur, qui vit dans l’accumulation d’un présent lucide sans espérer la
promesse d’une éternité. « Il ne nourrit aucune espérance quant à
l’au-delà, et il se contente d’accumuler le nombre de ses séductions, d’épuiser
ses chances d’aventure et de vivre le plus intensément possible chaque instant.
Camus considère que la séduction de Don Juan est libératrice. »<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5121065246438963247#_ftn1" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "calibri" , "sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">[1]</span></span></span></span></a></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Le
spectateur de L’Union est d’abord face à un décor imposant : une jungle
tropicale et colorée – presque psychédélique – en tapisserie en point numérique
d’Aubusson alliée à de la porcelaine de Limoges (escalier monumental, superbes souliers),
une scénographie magnifique de Jean Lambert-wild et Stéphane Blanquet, réalisée
avec le soutien de la fabrique Porcelaines de la Fabrique et l’entreprise
Néolice. Les lumières de Renaud Lagier, le son de Jean-Luc Therminarias, contribuent
à rendre le lieu à la fois vivant, étouffant et inquiétant. A n’en pas douter,
la moiteur menace. D’ailleurs, Dom Juan est malade, il tousse – l’ensemble est
malsain. Est-ce une allusion à Hispaniola, où Tirso de Molina fut
prêcheur ? A La Réunion où Jean Lambert-wild passa sa jeunesse et dont il
voulut s’échapper ? Aux plantations de tabac dont quelques sacs décorent
la scène, comme pour illustrer la fameuse tirade de Sganarelle, chez Molière,
qui affirme que « le tabac inspire des sentiments d’honneur et de vertu à
tous ceux qui en prennent. » ? On est heureux que l’artisanat d’art
limousin soit mis à l’honneur, même si, à un moment, on s’amuse à casser le
vase en porcelaine de Limoges comme jadis Molière cassa l’image du Limousin en
le moquant sous les traits de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Monsieur de
Pourceaugnac</i>. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"></span>Jean
Lambert-wild et Catherine Lefeuvre ont quelque peu modifié l’ordre des
dialogues de Molière, adapté le texte pour le rendre, en quelque sorte, plus
dynamique. On retrouve avec plaisir, dans le rôle de Dom Juan, le clown blanc
Gramblanc – personnage cher au directeur de L’Union – les cheveux orange comme
ceux d’Alex DeLarge, le jeune délinquant obsédé par le sexe dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Orange mécanique </i>de Stanley Kubrick</span>
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">(d’ailleurs, dans cette pièce
comme dans le film, on fait apparaître un fauteuil roulant). Dom Juan serait-il
un punk ? On le sait, il semble être un libertin – au sens du XVII<sup>e </sup>siècle.
Il s’agit de refuser la morale dogmatique, celle dispensée au nom d’un créateur
dans lequel Dom Juan ne croit pas. Chez Molière, c’est dans la scène II de l’Acte
V qu’il dénonce avec force l’hypocrisie, « un vice à la mode ». Ce
fut aussi le combat du dramaturge dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tartuffe</i>.
Une dénonciation ô combien d’actualité au fur et à mesure que se dévoilent les
errements de certains au sein de l’Eglise contemporaine. Cependant, le<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>faux<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>libertin<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>est<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>réponse<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Molière<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>à<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>la<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>censure<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>du<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>faux<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>dévot et le salut n’est pas non plus dans la
posture d’Alceste, le faux misanthrope. L’étymologie grecque du mot hypocrite
nous rappelle qu’il a un lien avec la comédie, la mauvaise conduite, et même le
jeu d’acteur. Don Juan est aussi au centre de tout cela. Le décor lui ménage en
hauteur une petite loge d’acteur où il peut se maquiller à loisir. Car c’est un
noble débauché et dangereux – pour le malheur de son père</span> qui lui <span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">reproche<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>ne
pas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>faire<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>preuve<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>des<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>qualités<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>intérieures<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>qu'exigeraient ses privilèges – qui utilise le mensonge pour séduire les
femmes et circonvenir les hommes. Ce n’est qu’à ce prix qu’il peut devenir
aimable. Et ses justifications philosophiques, dans son dialogue quasi
socratique permanent avec Sganarelle – interprété avec puissance et avec un
immense talent par Steve Tientcheu, grand comédien, laquais noir face à son
maître blanc – ne sauraient finalement lui donner raison, puisqu’il fait
souffrir ses conquêtes. Il est d’ailleurs ici armé de pistolets pétaradants et
n’hésite pas à percer comme un ballon de baudruche le ventre d’Elvire enceinte,
dont le costume sombre n’est pas sans rappeler à la fois celui de la veuve
d’amour qu’elle est devenue et celui des femmes d’avant 1914, qu’essayaient de
délivrer les « faiseuses d’anges » à l’aide de mortelles aiguilles à
tricoter. Dom Juan le cruel absolu. Sganarelle résume : « le plus
grand scélérat que la terre ait jamais porté, un enragé, un chien, un diable,
un Turc, un hérétique, qui ne croit ni Ciel, ni Enfer, ni loup-garou, qui passe
cette vie en véritable bête brute, un pourceau d’Epicure, qui ferme l’oreille à
toutes les remontrances qu’on peut lui faire, et traite de billevesées tout ce
que nous croyons. » Certes, mais attention aux donneurs de leçons
hypocrites : lorsque Dom Juan fait l’aumône à un pauvre hère, sous couvert
d’humanisme, c’est Sganarelle qui le dépouille et le fait trépasser avec force
hémoglobine. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"></span>Le mythe
éternel nous est conté, la tragédie se joue. On nous l’annonce dès le début,
par le costume-même de Sganarelle (un squelette omniprésent), par le squelette
avec lequel joue Dom Juan, par le crâne qu’il essaie de cacher, par l’horloge
aux aiguilles cassées car l’heure du trépas a déjà sonné, par la toux
incessante – un cancer des poumons dû au tabac, peut-être, ou des accès de
tuberculose tels qu’en connut Camus. La présence menaçante et fumeuse du
Commandeur est suggérée, jusqu’à l’arrivée des spectres à la fin, qui portent
le même costume que celui qu’ils vont emporter, signifiant par là que c’est
bien lui l’artisan de son propre trépas. C’est une danse macabre permanente qui
accompagne le séducteur amoral, comme celle que l’on peut voir sur les murs de
l’église de Kernascléden, dans le Morbihan, comme celles chantées dans les
gwerzioù bretonnes, notamment par Yann-Fañch Kemener, artiste ami de Jean
Lambert-wild, qui disparut au moment de la préparation de la pièce. Le festin
de pierre nous attend tous, ne l’oublions pas. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"></span>Mais on rit
aussi, à ce spectacle tragique, devant le clown cynique et narcissique qui
cabotine et cabriole, sautant avec souplesse sur les tables ou grimpant les
escaliers comme Buster Keaton dans ses plus belles scènes. On s’amuse
honteusement des mauvais tours qu’il joue aux femmes, goûtant ses artifices
abjects, de la peur qu’il inflige à Sganarelle ou à ce chœur extraordinaire qui
accompagne tout le spectacle : trois formidables musiciens et chanteurs
suisses perchés – dans tous les sens du mot –, de la Compagnie de l’Ovale, avec
leurs instruments de cirque et bizarres (la scie musicale), leur jeu burlesque
désopilant. Après tout, les musiciens ont aussi souvent été inspirés par Don
Juan, Glück, Gazzaniga ou le génial Mozart. Ici, on désacralise, entre disco,
paillettes, et rock-jazz. De jeunes comédiens de l’Académie de L’Union sont
associés à la création et se relaient pour interpréter les autres personnages.</span><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Le spectacle est donc
particulièrement réussi, beau et divertissant et nous fait réfléchir de belle
manière aux grandes questions éternelles qui sont soulevées par le mythe
donjuanesque, puisque la pièce jouée est éminemment philosophique. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Liberté, liberté chérie</i>, mais à quel
prix ? </span>
</div>
<div style="mso-element: footnote-list;">
<br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5121065246438963247#_ftnref1" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "calibri" , "sans-serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">[1]</span></span></span></span></a> R. de
Diego, « Le « donjuanisme » de Camus », <i style="mso-bidi-font-style: normal;">MuseMedusa Revue de littérature et d’art modernes</i></div>
</div>
</div>
<br />
<span style="font-family: sans-serif; font-size: 20px; left: 118px; top: 429.511px; transform: scalex(0.920161);"></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-90125344251723707082019-03-08T02:25:00.004-08:002019-03-08T02:42:33.500-08:00Comment vivre en poète: Marie-Noëlle Agniau, Jérôme Leroy, Eric Poindron<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxldnNEwmr4OR8dHRweOBX9e5nGQOi0Vx1FCpMxN9e967pi_yXa-y2-c7WyRarYKMJ_LhRYnGxzVdhs5z__KdHd0xfaCSlweEKVCr_6H1FH6Buu8qpUOod1PWMZtJuBrGedgSB8JKManc/s1600/DSC_2942.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="789" data-original-width="445" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxldnNEwmr4OR8dHRweOBX9e5nGQOi0Vx1FCpMxN9e967pi_yXa-y2-c7WyRarYKMJ_LhRYnGxzVdhs5z__KdHd0xfaCSlweEKVCr_6H1FH6Buu8qpUOod1PWMZtJuBrGedgSB8JKManc/s320/DSC_2942.JPG" width="180" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
Marie-Noëlle Agniau à Brest (c) L. Bourdelas</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"> J’ai déjà écrit combien j’aimais l’écriture de ces trois
poètes, combien je m’en sentais <i style="mso-bidi-font-style: normal;">proche</i>.
Eric Poindron (qui ne fait pas partie des poètes qui « intriguent dans les
réunions de poètes ») publie au Castor Astral <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Comment vivre en poète 300 questions au lecteur et à celui qui écrit </i>préfacé
par CharElie Couture qui écrit : « Vivre en poète n’est pas un choix
(…) un jour, on s’aperçoit que c’est inexorable : on est perméable à
l’influence d’autrui. Un jour, on se veut libre. » Oui, la poésie est une
histoire de liberté – elle n’est peut-être que cela. Et le nouveau recueil de
Poindron se déploie aux grands vents de la liberté, dans le fond comme dans la
forme, à la fois traité poétique érudit, profond et léger, drôle, philosophique
(car il ne cesse de (se) poser des questions, heureusement sans toujours y
répondre, ou alors avec des <i style="mso-bidi-font-style: normal;">peut-être</i>),
accompagné, comme toujours, par une foule d’autres auteurs captivants, de la
France à la Chine et à bien d’autres recoins de la planète – car Poindron rend
hommage à une belle Compagnie fraternelle. Peut-on encore écrire dans une
critique qu’un texte est beau ? Pourtant, c’est bien le cas de celui-ci,
avec ses considérations, ses circonvolutions, ses images et métaphores
fulgurantes, son style. « Vivre en poète, c’est peut-être chercher des
itinéraires insolites en dehors de tout chemin préconçu, siffloter en observant
la lune et tordre le cou aux apothicaires et à leur vilain calcul. » Et
puis surtout, il va à l’essentiel avec les dérives « vers les enfances
fragiles », qui sont au cœur-même de la création poétique – Baudelaire
parlait du « vert paradis des amours enfantines ». Toutes ces choses
étranges et merveilleuses qui font du poète à la fois un provocateur, un
aristocrate, un gueux, un anarchiste, qui le rendent précieux et ridicule. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ars poetica</i> original et puissant, ce
recueil fabriqué <i style="mso-bidi-font-style: normal;">en lisant, en écrivant, </i>parle
de marges (avec Georges Perros) et d’inutilité, de rêves de nuit et de
sentiment, de nos frères les oiseaux, de photographie, de coups de baguette, de
la relation amoureuse que le poète entretient avec la nuit… Bref, de toutes ces
choses tellement inutiles qu’elles sont les seules à nous permettre de vivre. Il
nous dit aussi que « le temps est un fruit confit d’antan ». Si le
poète le mange et s’en délecte, peut-être abolira-t-il la mort ? <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Jérôme Leroy
est pour moi avant tout un élégant poète, c’est-à-dire qu’il a du style. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Nager vers la Norvège</i>, son nouveau
recueil paru chez La Table Ronde, dont le titre occupe la bouche comme un vin
gouleyant qui aurait plu à Pirotte, en est la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">preuve </i>évidente. « Il faut savoir dater/aussi/son plaisir
d’être au monde/malgré tout » écrit-il dès la première page. Eric Poindron
(dédicataire de l’un de ses poèmes) l’a dit, je le répète : « le
temps est un fruit confit d’antan » ; alors le poète – ici Leroy,
ailleurs Proust, Rouffanche, Follain ou Charles d’Orléans – part à sa recherche
avec panache, même si l’aventure s’achèvera avec mélancolie et/ou nostalgie
(Leroy évoque joliment « le tweed du temps » et dit que « l’âge
et une certaine gueule de bois/[l]e rendent aussi fragile/que la trame du
ciel »). Leroy voyage « comme dans le monde d’avant », sans
portable ni GPS (plutôt avec une vieille carte Michelin), sur les routes
départementales, du côté de Vierzon et d’Aubusson – destinations improbables,
villes assoupies de la France provinciale, pompidolienne (avec ses DS et ses ID
ou ses R 16 bleues), celle des Trente glorieuses et du Parti Communiste,
sous-préfectures endormies, douces avec leurs squares, leurs statues de gloires
locales, leurs trains régionaux (et notamment la magnifique ligne
Limoges-Ussel, où l’on croise des contrôleuses « aux yeux de forêt »),
« les toits de lauze en Corrèze ». Une France apaisée, charnelle, des
bistrots, où l’on se sent chez soi, une France qui n’est ni celle de l’Europe technocratique,
ni celle du numérique, une France qui se dissipe comme un rêve qui passe, qui
fait dire à l’auteur – dans un très beau texte – : « je suis français
par une certaine aptitude à la mélancolie ». Jusqu’à écrire aussi :
« Je suis le souvenir de moi-même plus que moi-même ». De là naît
aussi la poésie. Comme des amours douloureuses et déraisonnables car
impossibles ou disparues, par exemple pour « l’adolescente du dimanche
soir » croisée sur une départementale ou pour celle qui passe sur la plage,
pour Corinne aimée en 1979 que le poète cherche dans les cartons de copies du
temps jadis ou pour « une jeune fille/en gilet fluo » qui accompagne
des enfants à Dinard. C’est donc <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tout ce
qu’il a à déclarer</i>, ce temps enfui ? « Il aurait fallu ne
pas/redémarrer/des années 70 »… Oui, c’est bien ça, garder nos pères
jeunes, éternellement, demeurer petits garçons, écouter la météo marine à la
radio… Alors pour conjurer le sort, on croit (ou pas) à la révolution, on écrit
de la poésie, on évoque les courts bonheurs essentiels : faire la sieste
sous les tamaris, regarder une jeune fille en bikini qui rit et rappelle toutes
les héroïnes de la Grèce ancienne, écouter Joe Cocker et du doo-wop, croire
finalement que l’éphémère est immortel, en attendant « d’aller boire avec
les poètes au royaume des morts. » <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Autre
( ?) poésie, celle de Marie-Noëlle Agniau, qui livre <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Psalmet suivi de La légèreté de l’arc et des flèches </i>chez La Porte,
où elle a déjà publié de nombreux recueils cousus de petit format qui
constituent comme une œuvre à part dans son œuvre. Chaque poème est accompagné,
en bas de page, par le leitmotiv <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pirogue
– Psalmet – Pirogue </i>qui donne un rythme permanent à l’ensemble, et il faut
avoir vu l’auteur lire ses textes à haute voix pour savoir combien ce rythme
lui importe. Saint Psalmet est le nom d'un ermite connu dans la Montagne
limousine, pour avoir fondé la ville d'Eymoutiers. Comme il se doit, on lui
attribue des miracles, il guérit, il rend la vue. Une autre réponse aux
questions d’Eric Poindron : le poète rend la vue, il donne à voir ce qu’on
ne regardait plus. Chez Marie-Noëlle Agniau, ce peut être un « petit fagot
[qui] brûle de côté » ou « le grain d’un papier », bref
« les petites choses qui ne valent même pas 5 grammes » qu’elle
s’efforce de peser, c’est-à-dire de nommer. Il est ici question d’une nature
réconfortante, d’un bonheur possible – celui des jeux et des paroles d’enfants
– mais sans cesse menacé : « Le maître voilier fabrique aussi des
linceuls », les missiles volent, les gaz asphyxient, il y a « un
bouquet d’enfants morts », des hurlements, trop de cendres, les espèces
meurent. Les images sont constamment belles et puissantes : « L’aube
est pareille aux bêtes et rage d’être née toute nue » et le frère disparu
(<i style="mso-bidi-font-style: normal;">pré</i>texte à écriture) devient
superbement <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Orrorin</i>, du nom d’une espèce
éteinte d'hominines du Miocène supérieur – d’ailleurs, elle-même se dit
« ancien royaume ». La poésie pour éclairer jusqu’à la nuit des
temps. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pirogue</i>, sa poésie coule comme
un grand fleuve qui charrie les impressions, les sentiments, les références
bibliques et grecques, chante comme une comptine d’enfant, elle se nourrit de
mots et de jeux contemporains (les nerfs, les vortex…), elle essaie de dissiper
la brume ou le brouillard, de chasser les nuages et les ténèbres, de retrouver
« le halo bleu des fleurs », de détecter une vision. Elle est poète,
elle est Psalmet, elle est le « Cyclope/amoureux d’une sirène », elle
aide à recouvrer la vue, la lumière, à colorier les planètes, à trouver l’Eden
peut-être, malgré – ou grâce à – la faille, même si la « Joie est
triste ». Elle est comme Arlequin qui rapièce son costume. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Laurent Bourdelas, 8 mars 2019<o:p></o:p></b></span></div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-24613227515529187102018-10-28T12:06:00.000-07:002018-10-28T12:07:02.531-07:00Alan Stivell, Human kelt, World village (2018)<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_SDmnbhjiREJmdmxuuerKT0Eh0k7ykXQiu4CVtAW3j1XvMXBuOk9-oOb9B9nOF365y3oM289HRyDK1SZmK58f5aWI3tUW93T0PVCYuL_XuWUTw4TJ9FrgSWcEeQWIRrV2tAK0Z2-DsmE/s1600/Stivell+FIL.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="695" data-original-width="1236" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_SDmnbhjiREJmdmxuuerKT0Eh0k7ykXQiu4CVtAW3j1XvMXBuOk9-oOb9B9nOF365y3oM289HRyDK1SZmK58f5aWI3tUW93T0PVCYuL_XuWUTw4TJ9FrgSWcEeQWIRrV2tAK0Z2-DsmE/s320/Stivell+FIL.JPG" width="320" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
A gauche: Alan Stivell et Catrin Finch au FIL, 2018 (c) L. Bourdelas</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7Jdn45qKSJzklHuR1zTAPhYTbAJhSLlUTIAr1kxqOb7OPAd6Y1z2v5myIsdCYgIeIKzC4r2OVaBh6R2wYQIZj2KtZwgKsSxZ-qFVJy43Lsit0bvUtdDIoKxEBaph0X5kJdmL5eTvyRxU/s1600/Alan+Stivell+FIL.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="695" data-original-width="391" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7Jdn45qKSJzklHuR1zTAPhYTbAJhSLlUTIAr1kxqOb7OPAd6Y1z2v5myIsdCYgIeIKzC4r2OVaBh6R2wYQIZj2KtZwgKsSxZ-qFVJy43Lsit0bvUtdDIoKxEBaph0X5kJdmL5eTvyRxU/s320/Alan+Stivell+FIL.JPG" width="180" /></a></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
Alan Stivell présentant son nouvel album au FIL 2018 (c) L. Bourdelas</div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>J’ai déjà
raconté comment s’était faite ma rencontre avec la musique d’Alan Stivell :
l’été 1972, alors que mes parents et moi déambulions dans une rue de
Saint-Goustan (Auray), la découverte de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tri
martolod</i>, puis au Noël suivant, de tout l’album mythique à l’Olympia qu’ils
m’offrirent et enfin, quatre ans plus tard, j’assistais à mon premier concert du
chanteur sur la scène du Moustoir, au Festival interceltique de Lorient. Dès
lors, je devins ce qu’il est convenu d’appeler un fan, mais bien plus que cela.
C’est lui qui – directement ou indirectement – me conduisit à m’intéresser à <i style="mso-bidi-font-style: normal;">toute </i>la culture bretonne puis celtique,
musicale, littéraire, poétique, picturale (…) et à l’histoire de la Bretagne,
pays que je n’ai jamais cessé, comme bien d’autres, de trouver très proche de
mon Limousin natal. Tout ceci jusqu’à rencontrer Alan – vu plusieurs fois en
concert – et à lui consacrer divers articles, émissions de radio, ainsi que deux
ouvrages<a href="file:///C:/Users/Laurent/OneDrive/Documents/Alan%20Stivell%20Human%20kelt.docx#_ftn1" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "calibri" , "sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.
C’est dire si j’attendais avec impatience ce nouvel album, sur lequel il m’avait
dit travailler intensément. J’ai eu la chance de le découvrir dès l’été
précédant sa sortie et de l’apprécier immédiatement, le considérant comme l’un
des grands albums de l’artiste, toujours cohérent avec sa démarche depuis le
début : s’ancrer dans la tradition bretonne et celtique mais s’ouvrir au
reste de la musique et du monde, chercher, toujours et jusqu’à l’expérimental,
recréer, aussi, ses propres compositions. Cet album est – non pas testamentaire
(Alan est né en 1944) – à la fois comme un nouveau manifeste après un demi-siècle
de création et une sorte de retour sur des moments importants de la carrière de
Stivell. Celui-ci a d’ailleurs toujours eu l‘esprit commémoratif, revenant par
exemple sur la scène de l’Olympia en 2012, avec certains des musiciens de l’équipe
originelle, quarante ans après le célèbre <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Musicorama
</i>de février 72 proposé par Lucien Morisse sur Europe 1, qui allait propulser
Alan sur le devant de la scène et être à l’origine de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">vague bretonne </i>qui allait déferler sur la France et bien au-delà. C’est
finalement le sens du premier titre <i style="mso-bidi-font-style: normal;">medley</i>
de l’album, comme un bilan introduit par de mélancoliques notes de piano :
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Setu . 52 bloaz</i>. « Voici . 52
années. » On y entend même la voix de Lionel Rocheman (retrouvée sur le
site de l’INA), l’organisateur, dans les années 60 au Centre américain de
Montparnasse des Hootenannies où se produisit le jeune harpiste et où il fit
sensation. On entend aussi le parolier Claude Lemesle, qui fréquenta également les
lieux où il rencontra Joe Dassin. Stivell évoque « l’envie de dissoudre,
dans ce présent, la distance temporelle entre 1966 et aujourd’hui. » Une
préoccupation qui rappelle, à sa manière, celle, à propos du temps et des
multiples dimensions possibles, du formidable écrivain britannique Alan Moore. Le
titre de l’album, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Human Kelt</i>, ne
surprend pas pour qui connaît la philosophie stivellienne : il est breton
et se sent celte, certes, mais il est d’abord humain – une idée reprise dans
les titres <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Den I </i>et <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Den II</i>, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Den </i>signifiant « être humain ». Une conviction qui
irrigue tout l’album, pour résister contre tous ceux qui veulent faucher « les
fleurs de l’esprit/de l’âme et de l’imagination. »<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ce qui
frappe dans cet album, c’est de constater que le chanteur sait s’entourer de
prestigieux invités – comme il l’a d’ailleurs toujours fait – que leur
présence soit virtuelle (Stivell pratique le sample depuis longtemps et ici,
notamment, l’auto sample) ou live : Bob Geldof, que l’on ne présente plus
mais dont on rappellera que c’est aussi un militant irlandais, Murray Head,
Yann Tiersen, Angelo Branduardi (complice historique), Fatoumata Diawara,
chanteuse malienne popularisée en France par sa collaboration à <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lamomali </i>de Matthieu Chedid, mais aussi
Andrea Corr, Lea Antona (chanteuse corse), Francis Cabrel ou Claude Sicre, des
Fabulous Trobadors. Il faut citer encore Dan Ar Braz, Henri et Yvon Morvan et
Glenmor, figure tutélaire avec qui Alan joua et sonna plus jeune. A cette liste
s’ajoute celle de talentueux musiciens et virtuoses des machines (dont certains
ont déjà collaboré avec Stivell) : Konan Mevel, Marco Fada, Emmanuel
Devorts, Jean-Bernard Mondoloni, Ted Beauvarlet, Marco Canepa, Fab Tabuteau,
Jessica Delot, David Millemann, Cedrik Alexandre et Kevin Camus. Il s’agit donc
d’une belle aventure musicale et, finalement, collective, dont Alan Stivell est
le maître d’œuvre. On note par ailleurs qu’il (re)déclare sa flamme dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">MJ a garan</i> à celle qui l’accompagne
depuis leur rencontre en 1968 au Centre Elysée Bretagne et avec qui il se maria
en août 1973 : Marie-José. Il avait déjà utilisé ces simples initiales
dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">M.J. </i>sur l’album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Terres des vivants </i>en 1981. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>C’est donc
ici un album de croisement d’influences, de world music telle que Stivell l’a
toujours aimée et dont <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La symphonie
celtique </i>fut l’apogée en 1979 ; pas étonnant, donc, que celle-ci soit
citée, même brièvement. On y entend s’entremêler intelligemment et joliment la
Bretagne, l’Afrique (on se souvient d’<i style="mso-bidi-font-style: normal;">1
Douar </i>– <i style="mso-bidi-font-style: normal;">une Terre</i>, sur lequel le
Breton chantait avec Youssou N’Dour en 1998, un autre anniversaire), l’Irlande ou
l’Occitanie. Pour cette dernière, le Limousin que je suis ne peut que se
réjouir de la reprise-recréation d’<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Idèas</i>,
chanson présente sur <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Terre des vivants </i>(1981),
texte de Stivell alors adapté en occitan par Michel Berthoumieu, où il
proclamait son ouverture d’esprit. Sa voix jointe à celle, douce, de la jeune Corse
Lea Antona, de Francis Cabrel (du Lot-et-Garonne…) et de Claude Sicre,
troubadour toujours inventif est une réussite. Deux duos avec la chanteuse Andrea
Corr, entre harpe et océan, donnent à entendre un traditionnel irlandais et la
langue gaélique puis un hymne à « la plus longue nuit » – celle, sans
doute, du solstice d’hiver (durant laquelle les druides honoraient le gui,
symbole d'immortalité, de vigueur et de régénération physique). Cette chanson, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">A hed an nos</i>, est fort belle, notamment
grâce à l’accompagnement somptueux de l’Orchestre Symphonique de Bretagne,
présent ailleurs sur l’album. En 1973, Stivell chantait, sur l’album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Chemins de terre</i>, un très rock <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Brezhoneg’Raok </i>(« la langue bretonne
d’abord »), appel à tous les Bretons affirmant : « Sans langue
bretonne, pas de Bretagne/Sans langue bretonne, ne parlons plus de la Bretagne ».
La nécessité d’un combat jamais abandonné depuis. Ici, il redynamise le tout
avec une introduction electro très dance, du self-remix, la participation de
Bob Geldof, des roulements de tambour breton, des sons traditionnels, une harpe
et des percussions particulièrement rock. Au cœur de l’album, quatre
reprises-recréations. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Reflets, adskedoù,
reflections</i>, avec Murray Head dont la voix fait ici des merveilles et
Robert Le Gall, souvenir et retour aux sources vers 1970, lorsque parut l’album
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Reflets </i>à propos duquel le
journaliste Jacques Vassal, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Rock &
Folk</i>, disait, prémonitoire : « [Stivell] montre une voie oubliée
en France : cette voie consiste à tourner le dos aux pâles imitations, aux
démarquages et à les remplacer par une musique incarnée, en exploitant les
sources dont le musicien est issu comme une base solide pour aller plus loin…
bien plus loin… » <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bresilien</i>
(Brocéliande), avec Branduardi et Vincenzo Zitello (grand harpiste italien ici
au <i style="mso-bidi-font-style: normal;">cello</i> et psaltérion) est une
émouvante réinterprétation d’une chanson du même album, qui exprime la perte
mais aussi la quête d’une civilisation, celle de la légende arthurienne, avec
Viviane et Merlin près de la fontaine de Barenton : « Où
êtes-vous/Rêves lointains et merveilleux. » Suivent les deux principaux
tubes du chanteur. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Son ar chistr</i>,
chanson à la gloire du cidre, comme on le sait, composée en 1929, au soir du
dernier jour de battage, par deux adolescents agriculteurs de Guiscriff
(Morbihan), Jean Bernard et Jean-Marie Prima, arrangée par Stivell et enregistrée
sur le même 45t que <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Brocéliande </i>en 70
– très souvent reprise depuis. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tri
martolod</i>, logiquement introduite par quelques bruits de vague, ne pouvait
pas être absente d’un tel projet, arrangée aujourd’hui de belle manière,
incluant un self-sample de 72. On connaît le succès du titre, jamais démenti
depuis qu’il contribua à la célébrité du chanteur – il est remarquable que
Stivell arrive encore à demeurer créatif dans cette nouvelle version. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Kelti(k)a </i>est un moment d’intense
communion musicale en l’honneur des peuples celtes à partir de musiques
traditionnelles qui font voyager de la Bretagne vers l’Ecosse, où l’on entend le
paysage sonore de Stornoway, le luthier</span> <span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">spécialisé dans les instruments de musique ancienne et
musicien Julien Cuvillez (passionné d'histoires légendaires, de la table ronde
à <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Games of thrones)</i>, Glenmor, les
frères Morvan, Joanne Mac Iver, musicienne et chanteuse originaire de l'île
d'Arran et Eilidh Mairi Saunière. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Boudicca
</i>est une composition en hommage à la « Vercingétorix » du peuple
brittonique des Iceni (si l’on en croit Tacite), dans la région qui est
aujourd’hui le Norfolk, qui mourut en 61 en combattant les légions romaines. On
croit y entendre le carnyx, et l’ensemble, tout en electro et distorsions
diverses, bénéficie d’un véritable souffle épique, mais, après avoir lu les
poètes Spenser et Milton qui furent inspirés par la reine, on s’amuse d’entendre
Stivell lui faire dire : « Merde à César ! » (en l’occurrence,
c’était alors Néron). On a le plaisir d’y entendre la harpiste et chanteuse
galloise Catrin Finch qui a pu déclarer, à l’occasion du Festival interceltique
de Lorient de 2018 combien le musicien breton avait influencé sa vocation. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Boudicca </i>rappelle le goût de Stivell
pour les grandes figures historiques bretonnes ou celtes, comme le roi
irlandais Brian Boru qu’il célébra également dans un album sorti en 1995. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Human kelt </i>s’achève par <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Eamonn an chnoic/Pourquoi es-tu venu si tard ?
</i>superbement introduit <i style="mso-bidi-font-style: normal;">a capella </i>par
Una ni Fhlannagain, harpiste originaire de Galway, chanteuse de Sean nos, style
de chant traditionnel irlandais, puis poursuivie par Stivell (harpe et chant « sur
le fil », presque fragile) et le Ouaissantais Yann Tiersen (au piano ici
tout en ruissellements et échos nostalgiques). Il s’agit d’une ballade
mélancolique inspirée par la vie d’Éamonn Ó Riain, aristocrate irlandais qui aurait
vécu dans le comté de Tipperary de 1670 à 1724 et qui aurait dirigé un gang de
bandits. Si la chanson fut maintes fois interprétée, y compris par les Pogues,
la complainte de « Ned of the hill, drowned, cold and wet », placée
ici en conclusion d’un album faisant allusion au passé le colore d’une
incontestable touche de spleen, que ne saurait faire oublier son incontestable
créativité. <o:p></o:p></span></div>
<div style="mso-element: footnote-list;">
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
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<br />
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///C:/Users/Laurent/OneDrive/Documents/Alan%20Stivell%20Human%20kelt.docx#_ftnref1" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "calibri" , "sans-serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a> Dernier
paru : <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Alan Stivell</i>, Le Mot et
le Reste, 2017.<o:p></o:p></div>
</div>
</div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-23407752423357508492018-07-17T04:09:00.001-07:002018-07-17T04:09:24.877-07:00Eric Poindron, L’Ombre de la girafe, Bleu autour, 2018<!--[if gte mso 9]><xml>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Le
moins que l’on puisse dire, c’est qu’Eric Poindron n’a pas <i style="mso-bidi-font-style: normal;">peigné la girafe</i> en écrivant ce beau petit livre dense. Il a fait
œuvre utile car captivante et divertissante, érudite et fantaisiste, bien des
années après Marco Polo évoquant Zanzibar : « Ils ont encore une espèce
d’animal qu’ils appellent «gaffa » (girafe), qui a le col long de trois pas ;
il a les jambes de devant bien plus longues que celles de derrière ; il a la
tête petite, et il est de plusieurs couleurs et marqueté par le corps ; cet
animal est doux et ne fait de mal à personne. »</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">L’ombre de la
girafe</i>, l’écrivain-poète, la cinquantaine venue, cherche à retrouver son
grand-père (qui travaillait aux ateliers SNCF d’Epernay, « capitale du
champagne et des trains à vapeur »), son père, qui meurt, des repères et
ses pairs, qui, à travers les siècles, ont cru à la nécessité vitale des
voyages, réels ou imaginaires, tous ceux qui ont cherché une île inconnue.
Baudelaire l’avait écrit : « Pour l'enfant, amoureux de cartes et
d'estampes,/L'univers est égal à son vaste appétit./Ah ! que le monde est grand
à la clarté des lampes ! » Citation à compléter par celle que Poindron
fait de Gilles Lapouge : « Je crois que tous les hommes sont faits de
même. La première destination de leurs voyages est leur enfance. » Une
girafe, ça a quand-même plus de gueule qu’une madeleine, non ? L’enfance,
elle est ici partout présence, avec des parfums de cirque et de fête foraine,
avec le pépé Petit Cric qui brise des chaînes ou tord des barres de fer, ou les
girafes prévertiennes oubliées sur les bancs de l’école, avec le père qui
bricole une girafe avec des copains de son âge, et qui racontera plus tard à
son fils qu’ « il vivait, enfant, au milieu des girafes. » On l’aura
compris, l’animal – et tous les autres dont il est ici question – est un
prétexte, du latin <span style="mso-spacerun: yes;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">praetexo</i>, «border, broder, orner, prétexter ». </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Prétexte à se souvenir des siens, prétexte à dire, aussi,
ce qu’est l’écriture : « ce peut être suivre des traces, chercher des
indices, en déposer à son tour (…) Tenir le stylo, c’est s’extasier puis
s’affranchir. » L’écrivain nous raconte ses <i style="mso-bidi-font-style: normal;">journées ordinaires</i>, dans le compagnonnage d’André Thevet, moine
franciscain, géographe de la Renaissance. Chez Eric Poindron, l’écriture est un
travail qui s’accompagne d’une passion : « je suis sans doute né sous
le signe de l’insolite, ascendant fétichiste. Il faut toujours que je
collectionne, que j’accumule, que je donne, que je troque. Et que
j’imagine. » Incroyable ! C’est de moi qu’il parle ! J’accueille
cette inespérée fraternité : « Je suis frère en Dieu de tout ce qui
vit, de la girafe et du crocodile comme de l’homme », écrit-il en
reprenant Flaubert. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>A travers ce beau livre, on voyage avec la girafe offerte
par le pacha d’Egypte au roi Charles X, on se souvient de François d’Assise, on
part avec François Levaillant, explorateur et ornithologue mort en 1824, admiré
par Hector Berlioz, on se promène de la Champagne au Jardin des Plantes,
toujours en bonne compagnie, et l’on approche du bonheur. Et nous revenons au
point de départ, à dos de girafe, et à cette remarque nourrie par Borges :
« Nous oscillons en contretemps du chemin du père, de ses certitudes. Nos
souvenirs filent à vive allure et nous les observons, coincé au passage à
niveau. » </span></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-23304618856947000912018-07-17T04:08:00.001-07:002018-07-17T04:08:33.776-07:00Marc Bruimaud s'intéresse à Damiano<!--[if gte mso 9]><xml>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Depuis <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Penser la pornographie </i>de Ruwen Ogien (P.U.F.), nous avons essayé
d’apprendre (sans toujours y parvenir) à envisager la pornographie d’une
manière différente, peut-être plus intellectuelle. De même, les travaux des
historiens ont montré l’ancienneté de la chose – finalement qu’elle accompagne
l’homme depuis l’origine. Sans remonter aussi loin, on avait beaucoup appris d’
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Obscène Moyen Âge ?</i> paru sous la
direction de Nelly Labère, maître de conférences à l’Université Bordeaux
Montaigne, chez Honoré Champion en 2015. Il y a cependant loin des phallus apotropaïques
de Pompéi – des figures qui illustrent la fertilité, la capacité à donner la
vie, à contrer les esprits malins, à éloigner le mauvais œil – aux séquences
pornographiques en streaming de plus en plus regardés par les adolescents sur
les tablettes et autres smartphones, ce qui a, selon Michel Reynaud, président
du Fonds actions addictions, « des conséquences sur le développement des
jeunes les plus vulnérables et les moins structurés psychologiquement",
avec un "rapport peu adapté à la sexualité" et une
"addiction" certaine. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">C’est dans ce contexte que paraît
chez Jacques Flament l’essai de l’écrivain et critique Marc Bruimaud, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Gérard Damiano Les peaux la chair les nuits</i>.
Damiano ? Ah oui ! <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Deep throat</i>,
« Gorge profonde » (on comprend pourquoi…), qui fit scandale en 1972.
J’avais dix ans mais, à un moment ou un autre, je me souviens de cela. Vedette,
au destin tragique : Lynda Lovelace (Linda Susan Boreman), qui se présenta
par la suite comme une victime (notamment de son mari Chuck Traynor) et devint
une militante anti-pornographie acharnée : « Quand vous voyez le film Deep
Throat, vous me voyez en plein viol »<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5121065246438963247#_ftn1" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span></span></span></a>.
Pas de quoi éprouver la moindre sympathie pour le film et son réalisateur,
donc. Il ne nous avait d’ailleurs pas frappé jusqu’à maintenant que la
pornographie – dont la finalité semble avant tout promise au kleenex – était la
meilleure voie vers l’émancipation féminine, quoiqu’en dise certaines
« travailleuses du sexe » autoproclamées « féministes ». Mais,
comme le dit le proverbe, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tous les goûts
sont dans la nature</i>.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Néanmoins, Marc Bruimaud fait presque
de Damiano un réalisateur de films d’art et d’essai, un égal ou presque d’Alfred
Hitchcock (dont il reprend d’ailleurs la manie d’apparaître dans ses propres
films), voire un philosophe sartrien. Incontestablement, le livre est fort bien
écrit et extrêmement référencé (avec des notes de bas de page consistantes),
avec l’impressionnante filmographie précisément documentée, une bibliographie
complète, des illustrations, des extraits d’interviews – comme celui d’Hank
Azaria, interprétant Damiano dans <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lovelace</i>
(« Il voulait que ces films soient sincères et stimulants, alors il les a
faits avec son cœur et son âme. »). Dans sa partie
« Extension », Bruimaud affirme que Damiano « réunit sans nul
doute tous les critères permettant de le qualifier d’<i style="mso-bidi-font-style: normal;">auteur</i> et de s’intéresser à la singularité constante de son
inspiration. » Il semble cependant que Jean Tulard résume assez bien les
choses dans son <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Dictionnaire du cinéma </i>également
cité par Bruimaud : « Si, au niveau des scénarios, ses films sont
nettement au-dessus de la moyenne, force est de constater de reconnaître
pourtant que le talent de cinéaste de Damiano est des plus minces. » Impression
confirmée par le visionnage de certaines séquences disponibles sur le web, qui
m’ont surtout parues très <i style="mso-bidi-font-style: normal;">datées</i>. </span></div>
<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cet ouvrage d’exégèse a le mérite d’exister pour les <i style="mso-bidi-font-style: normal;">aficionados</i> qui y trouveront largement
leur compte. C’est un livre d’histoire à ranger sur les étagères consacrées à
l’underground. Il est révélateur d’une époque et à ce titre c’est un témoignage
intéressant qui pourrait aussi nourrir les travaux de chercheurs comme Corbin,
Courtine, Vigarello lorsqu’ils font l’histoire du corps (Seuil), en ces temps
où prolifèrent les corps virtuels et où il est plus que nécessaire de dire ce
qu’est l’humain.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span>
<div style="mso-element: footnote-list;">
<br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=5121065246438963247#_ftnref1" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span></span></span></a> MacKinnon,
Catharine A., & Dworkin, Andrea, In Harm’s Way: The Pornography Civil
Rights Hearings, Boston: Harvard University Press, 1987.</div>
</div>
</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-11694278195531146412018-07-17T04:07:00.000-07:002018-07-17T04:07:26.428-07:00Un livre de photos de Jean-Marie Bourdelas à commander d'urgence!<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPjEP_fi3Sf763W6nFwdfRZI5XG6wzgNM82gi8NvWb6uiT0QtlriImD6riNoOwPPkXFLh469kGnNtoF9_3ZFAotgfrDsWn8WyL_QicJbLMPLx71KtLlkR84kLi4rl6jR3B8mDxsGv2FHM/s1600/Chalucet+%252801.87%2529_018.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1077" data-original-width="1600" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPjEP_fi3Sf763W6nFwdfRZI5XG6wzgNM82gi8NvWb6uiT0QtlriImD6riNoOwPPkXFLh469kGnNtoF9_3ZFAotgfrDsWn8WyL_QicJbLMPLx71KtLlkR84kLi4rl6jR3B8mDxsGv2FHM/s320/Chalucet+%252801.87%2529_018.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
</div>
<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
Châlucet sous la neige</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Jean-Marie Bourdelas
est né en 1932 dans le quartier du pont Saint-Martial à Limoges. Passionné par
l’histoire, il a beaucoup voyagé, en train et à vélo. Il a inlassablement
photographié la France et le Limousin. Son traitement de la lumière et des
couleurs, sur diapositives, en fait un magnifique cueilleur d’images. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Son fils Laurent,
écrivain, a sélectionné les cinquante photographies limousines et les introduit
par un texte. La poète Marie-Noëlle Agniau signe la postface. C’est ici
l’univers de Clancier, Rouffanche, Bergounioux…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">L’Arbre à Trucs vous
invite à réserver votre exemplaire de ce beau livre de photographies en tirage
limité à <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">300 exemplaires</b>, signé par
l’auteur, vendu hors commerce. (Couverture 4 pages, 15.00 x 21.00, impression
en quadrichromie, intérieur 60 pages sur papier couché satin 100 g/m²). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Parution avant Noël 2018.</b></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-family: "Wingdings 2"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-char-type: symbol; mso-hansi-font-family: "Times New Roman"; mso-symbol-font-family: "Wingdings 2";"><span style="mso-char-type: symbol; mso-symbol-font-family: "Wingdings 2";"><br /></span></span><span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">BULLETIN DE SOUSCRIPTION à nous
retourner <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">AVANT</b> le 19 septembre –
jour anniversaire du photographe</span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">(nous vous conseillons de
commander dès réception)</span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: center;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">L’Arbre à trucs Villa Clio
87 260 Vicq-sur-Breuilh</span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif"; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Les
ouvrages vous seront remis lors d’une rencontre à Limoges à parution (ou
expédiés par la poste en cas d’impossibilité)</span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">NOM/Prénom :</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">Adresse :</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">Courriel :
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Times New Roman","serif";">Commande :<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>exemplaire(s) d’<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Au faîte du pays </i>(15 euros l’unité) et joins un chèque à l’ordre de
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">L’Arbre à Trucs.</i></span></div>
<br />
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-24316062597287761342017-12-29T03:38:00.001-08:002017-12-29T03:38:18.873-08:00Ridiculum vitae, Manifeste contre la poésie affadie au Théâtre de La Passerelle<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 16.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 14.0pt; line-height: 115%;">Une nouvelle fois, le metteur en scène Michel Bruzat met en
scène un auteur contemporain à Limoges (avant Avignon l’été prochain): le
poète belge Jean-Pierre Verheggen ; et avec Marie Thomas, ça dépote.<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 14.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Notons pour commencer le double hommage rendu dans le
programme du théâtre de La Passerelle : à Jack Ralite, homme de
convictions et de culture, et à Pierre Debauche, celui qui dynamisa le théâtre
en Limousin au début des années 1980 et y créa le Festival des francophonies. Nul
doute qu’ils se seraient sentis bien dans cette salle disposée comme un cabaret
chaleureux tout entier dévoué au plaisir des mots, c’est-à-dire à la poésie, la
vraie, celle qui ose, avec deux artistes de grand talent : Marie Thomas,
la comédienne, et Sébastien Mesnil, le musicien.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Tout commence par la satire : celle d’une « officielle »
– Ségolène Lagarde –, comme on en connaît tant (on a tout de suite des noms en
tête…), venue inaugurer le théâtre comme on inaugure un rond-point routier ou
une nouvelle échelle des pompiers, peu de culture et la langue qui fourche,
puisque ici, les mots ne veulent rien dire, n’étant qu’au service de la
démagogie. C’est le comice agricole de Flaubert, c’est le sous-préfet aux
champs d’Alphonse Daudet, c’est ce qui a balayé toute une génération de femmes
et d’hommes politiques lors des dernières élections législatives, car les
Français n’en pouvaient plus. <i>Ridiculum
vitae</i>, déjà. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Et puis Marie Thomas nous embarque avec les mots et les
phrases manifestes de Jean-Pierre Verheggen dont on se souvient qu’il rejoignit
la revue TXT – qui prônait alors la rupture – fondée en 1969 par Christian
Prigent et Jean-Luc Steinmetz à Rennes. Accompagnée tout au long du spectacle
par un Sébastien Mesnil au meilleur de sa forme, jouant des claviers, des
percussions, chantant, expirant au besoin un air salvateur (la poésie est un
souffle), et par les lumières toujours pertinentes et subtiles de Franck
Roncière, Marie Thomas, habillée en rouge par Dolores Alvez Bruzat, joue de sa
voix chaude et rocailleuse et de son corps souple et plat comme celui de l’Olive
de Popeye (d’autres y ont vu Pascale Ogier), de ce corps sensuel, pour délivrer
le message essentiel de cette soirée : la poésie est liberté, puissance
émancipatrice, elle doit tout emporter sur son passage, et surtout, ne pas être
l’apanage des clercs en poésie, aussi ennuyeux que leurs vers rabougris, ou des
universitaires avec leurs épuisantes explications de texte et leurs termes
savants et abscons. On songe évidemment à la Préface de Léo Ferré : « La poésie
contemporaine ne chante plus, elle rampe/Elle a cependant le privilège de la
distinction/Elle ne fréquente pas les mots mal famés, elle les ignore ». Alors,
forcément, on croise Rimbaud, on croise Artaud, mais aussi Malraux, on cite Verlaine
et Céline, on pense à Villon, à Michaux et à Rabelais, pour le meilleur et pour
le pire, on s’esclaffe et on s’émeut au flux incessant, inventif et référencé
de Verheggen, né du cœur et du corps, du sexe, de la bidoche, de la viande, des
humeurs des humains. La poésie est jeu de mots et de vie, elle est libertaire
et toujours innovante, et l’entendre ici aussi bien dite et mise en scène, dans
une telle osmose du fond et de la forme, procure un grand et intense plaisir.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;"><br /></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><i><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">Laurent Bourdelas (29.12.2017)<o:p></o:p></span></i></b></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-53859532920381104982017-01-22T04:33:00.001-08:002017-01-22T04:33:21.453-08:00Le grand poète limougeaud Joseph Rouffanche vient de disparaître<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-RmAejyKjhgXEvWq84KIYjkathpuGFCYuSNB2iZOaro615e0QfzGTVCZaTySshL5ays40RCNYIW3LBBCE0s1EQBNsslpCKUzcrViL8Eu2Vh95YuVdkMjN9_xMxYA9WggPKTVJRUx2wh4/s1600/Numrisation_20160216-13.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="218" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-RmAejyKjhgXEvWq84KIYjkathpuGFCYuSNB2iZOaro615e0QfzGTVCZaTySshL5ays40RCNYIW3LBBCE0s1EQBNsslpCKUzcrViL8Eu2Vh95YuVdkMjN9_xMxYA9WggPKTVJRUx2wh4/s320/Numrisation_20160216-13.png" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
(c) L. Bourdelas</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<a href="http://france3-regions.blog.francetvinfo.fr/ici-c-est-limoges/2017/01/22/le-grand-poete-limougeaud-joseph-rouffanche-1922-2017-vient-de-disparaitre.html">Lire l'hommage sur le site de France 3 Limousin</a></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-5407028035235429122016-04-26T07:19:00.002-07:002016-04-26T07:19:37.172-07:00Carole Zalberg publie "A la trace" chez IntervallesJ'aime lire les ouvrages de Carole Zalberg. J'aime sa manière d'écrire sur la mémoire - celle des siens, celle des Juifs, de nous tous, en fait -, d'écrire aussi à propos des femmes, de leur force et de leurs failles.<br />
C'est ce travail qu'elle poursuit avec <i>A la trace </i>(2016), journal d'un retour en Israël à l'occasion d'une mission Stendhal de l'Institut français. Ce journal n'a rien en commun, par exemple, avec le dense et long <i>Carnet de notes </i>de Pierre Bergounioux (Verdier), et pourtant, il pourrait en porter le titre: durant un mois, Carole Zalberg note des impressions, des bribes de conversations, des "choses vues", comme dans un carnet, et cela donne cette plaisante ébauche de 81 pages - j'écris "ébauche" car ce mois de visite(s) doit nourrir un projet de roman que l'on attend désormais avec impatience. Des notes complétées, sans doute, par les videos tournées par son cousin documentariste Ido, à l'occasion de son séjour à Tel Aviv. On rêve d'une production où leurs regards se croiseraient, livre-dvd, par exemple.<br />
Carole Zalberg rappelle au préalable qu'elle a sans doute déçu les siens en ne venant pas s'installer en Israël, mais en demeurant à Paris, comme cette cousine dont elle dit: "j'avais dû avoir l'air tellement ahuri qu'elle avait entrepris de m'expliquer pourquoi, comme tous les juifs de ce monde et au-delà, je ne pouvais pas ne pas vouloir vivre chez moi." La question de ce "chez moi", la question du "nous" (les juifs et en même temps l'humanité) est celle qui se pose, de différentes manières, à travers le livre; notamment avec une courte nouvelle intitulée <i>Juif est un chant</i>, où le narrateur se dit qu'être juif (en France), ce n'est pas rien, que la "mémoire des désastres" le rappelle, que les "morts n'ont jamais cessé de chanter." C'est bien ce que ressentent à la fois Carole Zalberg - femme, fille, cousine - et le lecteur tout au long du voyage dans ce pays paradoxal, complexe, attachant et effrayant. Ce pays où se côtoient à la fois les soldats des unités de combat, les jeunes qui dansent dans les boîtes de Tel Aviv et les surfeurs au large de sa plage, les colons, les intellectuels, les anciens espions, les artistes, les immigrés de toutes origines et conditions, les militantes de Women for human rights qui font de leur mieux pour aider les Palestiniens démunis ou ceux dont "régulièrement, l'armée rase le village de toile et de béton sous les yeux des familles." Et Carole Zalberg de poursuivre: "Je pense à la répétition de ces maltraitances: ici comme chez nous, où l'on expulse aussi, où l'on rase aussi dans la nuit devant des enfants effarés." Ce pays est issu d'une somme d'utopies, y compris de ceux qui rêvaient "qu'il y fasse bon vivre et que ce soit joli." De ceux qui ne pouvaient demeurer sur la terre où avaient péri les leurs par millions, où leurs cendres étaient parties en fumée au-dessus de la Pologne, de ceux qui pleurèrent dans le bateau de cet exode conquérant en voyant approcher le port de Haïfa.<br />
Quel étrange pays où la mémoire des morts est si forte, la commémoration permanente, dans l'espace public et privé. Il y a le génocide qui a imprimé sa marque indélébile, mais aussi toutes les guerres menées par la suite (la narratrice est présente pour Yom Hazikaron, le jour du souvenir, où l'on honore les soldats tombés pour défendre Israël). Il y a la tante Mina qui sort "des dizaines photos très anciennes", avec tous leurs fantômes. Il y a le poids séculaire, oppressant, de la religion à Jérusalem, ce mur des lamentations devant lequel, le jour de la visite, l'écrivain ne ressent aucune émotion.<br />
Carole a déjà écrit - fort bien - sur cette mémoire, elle est là pour le faire encore, sans doute, mais aussi pour s'inspirer de la vie de ses trois cousins nés en Israël, même s'il est parfois difficile de les faire abandonner leurs défenses pour se livrer, même si les échanges en anglais ne facilitent pas toujours le dialogue. Elle parcourt une "géographie intime", elle sait que l'Histoire s'incarne ici, avec eux, et dans les paradoxes qui voient les jeunes partir à l'armée et leurs mères pleurer d'angoisse. <br />
Carole Zalberg évoque un "nous" qu'elle s'approprie, "polyphonique, tourmenté, tiraillé jusqu'au déchirement" , "douillet et hérissé de pièges", mais un nous qu'elle abandonne en partie en repartant vers Paris, avec le souvenir sensuel de la musique, de la nourriture, du soleil à la plage où la mer est tourmentée, du chant des oiseaux, de la beauté des femmes, des paysages, du bruit des repas...<br />
Et en finissant le livre, c'est comme en finissant <i>Lucien Leuwen</i>: on désespère de ne pas lire la suite; à la différence qu'avec Carole Zalberg, on sait que viendra le roman. Il ne peut pas en être autrement.<br />
<br />
26 avril 2016. <br />
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-60735069822079086712016-04-12T03:47:00.002-07:002016-04-12T03:47:15.828-07:00Georges-Emmanuel Clancier publie chez Albin Michel "Le temps d'apprendre à vivre": indispensable!<div style="text-align: center;">
<a href="http://france3-regions.blog.francetvinfo.fr/ici-c-est-limoges/2016/04/12/georges-emmanuel-clancier-le-temps-dapprendre-a-vivre-memoires-1935-1947-albin-michel-2016.html">Cliquer ici pour lire la critique</a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-71798422290864177172016-04-11T02:21:00.001-07:002016-04-11T02:22:51.974-07:00La vie coule, de Marc Bruimaud, chez Jacques Flament Editions (2016)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAW7b2964fAjNoODeXImgzX4vZGLkJrVS4AiX5kdLFj-YYOyuN4iVGJbWcqZ9Sz8krEPs0Ci3HEqEpwd9GFR-u6MhYso1DtpE75SRSVUIqfsEOjXR356jqkTNo6p351YP13oUaPzV8cI0/s1600/image231.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAW7b2964fAjNoODeXImgzX4vZGLkJrVS4AiX5kdLFj-YYOyuN4iVGJbWcqZ9Sz8krEPs0Ci3HEqEpwd9GFR-u6MhYso1DtpE75SRSVUIqfsEOjXR356jqkTNo6p351YP13oUaPzV8cI0/s320/image231.jpg" width="208" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">L'écrivain Marc Bruimaud, installé à Limoges, propose, après <i>Makolet </i>l'an passé chez le même éditeur, <i>La vie coule</i>, des "récits sentimentaux" sans doute autobiographiques, rejoignant avec talent les auteurs d'auto-fiction. Si le titre trouve son origine dans une sorte de long poème concluant le livre ("Parce que, avec toi, la vie coule"), on songe aussi à la vie qui s'écoule (à défaut d'être toujours cool), c'est-à-dire au fameux <i>tempus fugit</i>, et à Héraclite. Marc Bruimaud est ici <i>à la recherche du temps perdu </i>(le thème de l'enfance affleurant d'ailleurs en permanence dans son texte), mais plus sous l'égide d'Annie Ernaux que de Marcel Proust.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Il est donc question de ses amours, de ses relations - parfois adultères - avec Marie, Dolores, Rosie, Emma, Minnie et quelques autres, avant "plus personne". Elles sont racontées avec une sorte d'objectivité où les détails ont une importance certaine: marques, lieux, objets... nourrissent précisément le discours amoureux et lui confèrent une poésie faussement prosaïque, d'autant plus que l'écrivain aiment dérouler des listes qui deviennent des sortes de poèmes. Le texte est aussi enrichi - sans jamais peser - de nombreuses références au cinéma et à la littérature, mais aussi à la musique, notamment électronique. Le tout étant situé entre Limoges et Oléron. L'humour (involontaire?) ponctue aussi ces récits, lorsque le narrateur misanthrope devient féroce avec les autres ou lorsque son autodérision fait des ravages. Car, à le lire, une chose est certaine: le sexe "faible" n'est certainement pas celui des femmes, qu'il sait aimer et dont il connaît parfaitement l'intime géographie, tout en sachant se rendre parfaitement énervant, avec ses multiples névroses. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">On note la présence de quelques "hasards objectifs" - parfois dissimulés sous l'appellation "anecdotes" - et l'ouvrage s'achève par un chapitre épistolaire lui donnant des allures de <i>Liaisons dangereuses </i>contemporaines. La vie coule, en effet, et le style de Marc Bruimaud aussi, qui donne envie de le lire du début jusqu'à la fin sans interruption, ce qui n'empêche pas de réfléchir avec lui à propos de la carte du tendre dans toute sa complexité, ses difficultés et ses plaisirs sans cesse recommencés. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;">Dans les années 1980, Bernard Cubertafond, un autre écrivain limougeaud s'était essayé - dans un style différent - à écrire deux volumes de ses <i>Chroniques d'un homme libéré</i> ; je songe à lui en lisant Bruimaud, par la proximité du thème, mais aussi des lieux, entre Limoges et océan. </span></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-49619184648417235472016-04-08T03:06:00.001-07:002016-04-08T03:06:23.646-07:00Mortels habitants de la Terre, le nouveau recueil de Marie-Noëlle Agniau, maîtresse de l’anaphore et de la musicalité (Collection iF, L’Arbre à paroles, 2016)<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="line-height: 107%;"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; font-size: 12pt; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhx0FPVUP_MRllGUHwyxty9vZT30rTQa1XzPUXYjodyHZx1m2rOVmYuKS-V4GaaCDwRZgXid0Yt1Ke6mGPlSvqW-G1bG2KE4bjrmbyeHB2fMBIDvC4kp4-Zy__xHOMT6hBLXOX6rmKUOio/s1600/ZZZZZ20140921_41.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhx0FPVUP_MRllGUHwyxty9vZT30rTQa1XzPUXYjodyHZx1m2rOVmYuKS-V4GaaCDwRZgXid0Yt1Ke6mGPlSvqW-G1bG2KE4bjrmbyeHB2fMBIDvC4kp4-Zy__xHOMT6hBLXOX6rmKUOio/s320/ZZZZZ20140921_41.JPG" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;">Marie-Noëlle Agniau, Pigerolles, Plateau de Millevaches, Limousin (c) L. Bourdelas</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> La poète Marie-Noëlle Agniau a choisi un titre pléonastique inspiré
d’Hésiode pour son nouveau recueil paru chez l’éditeur belge L’Arbre à paroles
(collection dirigée par Antoine Wauters), qui avait déjà publié d’autres livres
d’elle. La professeur de philosophie participe ici, en une longue méditation de
prose poétique, à la réflexion séculaire à propos de notre mortelle condition,
à cette pensée mélancolique de notre sort commun, tel que la décrivit si bien
Blaise Pascal : « … quand j'ai pensé de plus près, et qu'après avoir
trouvé la cause de tous nos malheurs, j'ai voulu découvrir la raison, j'ai
trouvé qu'il y en a une bien effective, qui consiste dans le malheur naturel de
notre condition faible et mortelle, et si misérable, que rien ne peut nous
consoler, lorsque nous y pensons de près. » C’est peut-être le sens du
dessin de couverture par Benjamin Monti : nos rêves de voyages (sur des
vaisseaux aux humeurs vagabondes, écrivait Baudelaire) – fussent-ils
interstellaires – et d’amours, d’ordre et de beauté, de <i>luxe, calme et volupté </i>sont aussi des rêves de « bras cassés ».
Depuis qu’elle écrit, Marie-Noëlle Agniau ne cesse d’explorer les failles
originelles : la perte d’un frère à peine né, le rapport complexe et
ambigu à la mère – c’était par exemple le cas avec <i>Boxes</i>, récit autobiographique dont le présent recueil semble être
une suite possible<a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Mortels%20habitants%20de%20la%20terre.docx#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a>, en
apparence apaisée, sur le fil entre prose et poésie (un auteur funambule, donc).
Elle dit ici l’acmé – dans les deux sens du mot, de la maladie (« la
poisse », « les os la tache noire qui les mord et ma mère ; en
miettes. »), de la tragédie – : celui, écrit-elle, « où meurt la
mère qui vous a enfantés ». C’est là l’un des sujets obsédants de l’ouvrage :
la maternité et la filiation (qui remonte aux cavernes) : « regarde
bien regarde bien le vaisseau le vaisseau mère ». Et Marie-Noëlle Agniau –
comme mère elle-même et comme poète – observe un fils (nommé : Malo) et
son apprentissage de la vie. Il n’y aura pas de retour en arrière possible :
« ne pas revenir est la règle du vaisseau » ; c’est se placer
dans la continuité d’Héraclite et du <i>tempus
fugit </i>de Virgile. Pendant ce temps, le temps s'échappe, irremplaçable et c’est
la mission assignée au poète que de tenter d’en exprimer pourtant la quintessence :
« Navette. Une époque. Navette. La pulpe glisse. Navette. » Ou bien
encore : « le temps des saisons qui passent sans qu’on voie que la
neige a dragéifié les frelons. »<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> Marie-Noëlle
Agniau est maîtresse ici de l’anaphore et de la musicalité. Chaque texte, sur
chaque page, commence par : « Est une infrastructure » (« construite
par l’homme », « humaine »…). Un vocabulaire de géographe
évoquant ici les ports et les navires ; de marxiste pourrait-on même croire,
avec ses conditions de production (« sur le littoral maritime, sur les
berges d’un lac ou sur un cours d’eau »), de forces productives, et de
rapports de production. Mais tout ceci est un jeu – de mots, bien entendu – et les
certitudes sont mouvantes : l’infrastructure est « parfois flottante »,
« solide et non », « de bord de mer et d’eau et d’alluvions »
et même « lovée dans les airs et nulle part tout autour de la Terre ».
Une infrastructure que casse consciencieusement l’auteur, souvent avec humour
ou tournures enfantines : « est une infrastructure humaine,
construite, tatatata, au bord d’une rivière. » <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> On croit
déceler ici les souvenirs des grandes eaux fondatrices : « le fleuve
potame » (ποταμός), qui rappelle le Tigre et l’Euphrate, c’est-à-dire la
Mésopotamie, là où s’élabora l’écriture vers 3 500 avant notre ère ;
le Nil aussi, lorsqu’il est question d’alluvions et de limon ; la
Méditerranée (« des jarres et des amphores et des statues »), enfin,
celle rêvée par cette helléniste, « De la mer calme. Bleue. D’un bleu. D’un
bleu d’oliviers tordus par le vent. » Le bleu est ici omniprésent : « Bleu
clair. Bleu marine. Bleu idiot. Bleu haine. Bleu ciel. » Nous sommes après
tout les mortels habitants de la Terre – la planète bleue. Fleuves et mer de
culture depuis toujours, d’humanité, mais aussi – donc ? – de guerres,
sous leurs diverses formes (« Un cauchemar »). Au Sud, en Afrique,
avec le génocide rwandais auquel il est fait allusion et toutes les guerres
africaines (« ça flotte le sang dans les grands lacs ») ; et
puis la Syrie et les autres conflits (« Et les enfants. Rayés d’un coup de
la carte ; d’un raid qui ne fait pas de bruit malgré le nombre de balles
sur la cartouche. Tatatata… ») ; et puis les migrants qui se noient (« Les
poissons crèvent. Avec les méduses. Et les enfants. »). Le poète, toujours
à remplir les registres obituaires quand le monde ne rêve que d’oubli. Agrippa
d’Aubigné l’écrivait dans ses <i>Tragiques</i> :
« Le bel œil de ce monde est privé de ses yeux ». C’est donc d’elle
dont parle Marie-Noëlle Agniau lorsqu’elle demande : « Qui sort de l’eau
pour nous montrer les morts ? ». Face aux torrents de sang qui noient
l’humanité (« herbes vertes et longues et juteuses comme le sang. ») :
la parole du poète (« On avait soif. »). Face aussi à la destruction
en cours de la nature : « petits ronds de fioul dans l’eau. Rubis. »
« L’homme pétrolifère », dit-elle. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> Un texte,
comme toujours avec cet écrivain, sensuel et situé dans un monde bien réel,
peuplé de multiples minéraux, végétaux, d’êtres vivants, et de leurs traces :
sable, poissons, méduses, eau, herbes vertes et longues, orage, blé vert, les
boutons d’or et leur mythologie, « la
libellule qui vient boire comme le tigre au bord de l’eau », les
araignées, les moutons, le grain de riz, l’air de l’alpage (où « l’air est
dur est clair est pur et bleu »), le pollen et tout le reste. Mais il n’est
plus facile de ré-enchanter le monde. Attention : on aime, mais les
sirènes menacent. Et la libellule comme le tigre sont des espèces menacées. <i>Mortels habitants de la Terre.<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> L’homme construit sur du sable. Le virtuel
menace. C’est ici un autre des sujets de ce riche recueil. L’auteur écrit dans
son prologue qu’il s’agit d’ « assumer par le poème la disparition de l’écriture
cursive et la mise en écran du monde. » Le vocabulaire informatique
ponctue le récit. Fin de la mère, fin de l’écriture. Là non plus, il n’y aura
pas de retour en arrière possible. Ce livre est donc aussi une méditation
poétique sur un changement majeur de civilisation : nous abandonnons celle
née sur les bords des grands fleuves du croissant fertile (et même auparavant
avec les artistes préhistoriques) pour entrer dans celle du numérique
(télescopage des « jarres et des amphores et des statues et des portables
qui sonnent pour rien. » ; « nous avons cessé d’être habiles.
Tenir un stylo. Nous ne savons plus quoi faire. Les lettres. » L’<i>homo habilis </i>inventa l’outil ; qu’invente
l’<i>homo numericus </i>? Est-ce du
vide ? « Tout est plat. Plat. Là. Nous n’avons plus à chercher du
fond de rien. » Désormais, « il pleut des touches », mais pour
quel sens ? (« les images nous mangent »). Quelle évolution
vertigineuse pour l’être humain ? Quel transhumanisme (« Et le
cerveau connecte. »)? Que cachent les DS et les Pokémon des enfants ?
Marie-Noëlle Agniau emploie le mot « épopée », c’est bien de cela qu’il
s’agit, depuis Gilgamesh et la Mésopotamie, justement : la quête d’immortalité
– quel paradoxe, pour cette humanité qui passe son temps à se faire la guerre !
L’un des mythes les plus partagés, finalement : celui de la fontaine de
Jouvence. Rejoindre les eaux apaisées du <i>Jardin
des Délices</i>. Mais la vie pourrait se transformer en une simple « application »,
et l’homme en « Google-amazone ». « On a perdu les traces. Les
traces. Ce qu’elles émettent ? On a perdu les êtres. » Evolution
possible de l’humanité : naufrage du Titanic, ou crash d’un avion de la
Malaysia Airlines. Fin de l’histoire. On est passé du cartouche (<i>shenou</i>)<i> </i>des pharaons à la cartouche d’encre et de mitrailleuse. Permanence
des sources d’inspiration de l’auteur : déjà, <i>Boxes </i>avait pour sous-titre : <i>l’apprentissage de la rature</i>, ici il est question des lettres qui « ne
se forment plus (…) Elles apparaissent. Disparaissent. Entre les touches. La
poussière. » Car – l’avait-on oublié ? – « Tu es poussière et tu
retourneras en poussière », cela nous a été dit depuis fort longtemps, et
cela vaut pour la mère, le poète, l’enfant, l’amour, l’écriture, l’humanité –
tous <i>mortels habitants de la Terre. </i>C’est
ici la voix de la seule vraie sagesse que reprend à son compte Marie-Noëlle
Agniau, pour en faire un très beau texte. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">8 avril 2016.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div>
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<div class="MsoFootnoteText">
<a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Mortels%20habitants%20de%20la%20terre.docx#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></a> Editions
Gros Textes, 2005.<o:p></o:p></div>
</div>
</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-6713956850040988012016-01-24T03:45:00.004-08:002016-01-24T03:45:42.136-08:00Loyaulté me lie : le Richard III de Jean Lambert-wild <div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Ce n’est pas rien que
le projet théâtral de Jean Lambert-wild me donne envie de retourner au théâtre
de L’Union, le centre dramatique national du Limousin, à Limoges, qui fut le
cœur du duché d’Aquitaine, dont l’histoire est en partie liée à celle des
Plantagenet. J’étais demeuré sur de vieux souvenirs de la pièce, ceux, en
particulier, excellents, de <i>Looking for
Richard</i>, le documentaire d’Al Pacino sorti en 1996. Aussi, en venant dans
l’ancienne salle des coopérateurs limougeauds, ce que je venais voir, c’était
la confrontation du nouveau directeur du centre dramatique avec ce grand
classique…<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> </span></b><span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;">Richard III revêt donc l’allure d’un clown – personnage qu’il affectionne
particulièrement – interprété avec subtilité par Jean Lambert-wild, confronté à
Elodie Bordas, puissante comédienne qui joue tous les autres rôles ou presque, évoluant
dans un décor, imposant, réjouissant et innovant, sorte de carrousel infernal
dessiné par Stéphane Blanquet, rappelant à la fois les œuvres de Jérôme Bosch,
mais aussi le psychédélisme (des fleurs de pavots colorées ?) et même
l’esthétique des petits dessins animés du
<i>Holy Graal </i> des Monty Python. Cette adaptation, dirigée par Lambert-wild,
Lorenzo Malaguerra et Gérald Garutti (qui témoigne d’un formidable travail
d’équipe dont il conviendrait de citer tous les noms (lumières, son, costumes…),
et qui bénéficie d’une nouvelle traduction dépoussiérée par l’omniprésent Lambert-wild
et Gérald Garutti, souligne, par l’économie des comédiens présents sur la
scène, le face à face de Richard III confronté à lui-même (« myself upon
myself »), face à son alter ego féminin, à Buckingham, son âme damnée, mais
aussi au public (la conscience spectatrice), régulièrement pris à partie tout
au long du spectacle. Si le mot n’était pas si galvaudé, on oserait presque
dire qu’il s’agit d’une vision psychanalytique de la pièce de
Shakespeare : celle qui met en scène un individu ivre de lui-même (mais
peut-être aussi de son ennui), de la puissance qu’il souhaite acquérir, fusse à
travers le dévoiement, le mensonge, la trahison, la corruption et le crime –
jusqu’au plus abject : celui des enfants. Richard étant lui-même
l’incarnation de tous les maux qui accablent le monde, celle de toute la
violence et du mal qui peuvent habiter l’humain – et l’on n’a guère de peine à
trouver des échos très contemporains au texte du dramaturge anglais… D’ailleurs,
le projet de Jean Lambert-wild et de son équipe a commencé dans un hôpital
psychiatrique en Suisse et la folie affleure en permanence dans
l’interprétation. Hasard ou signe, comme on voudra, cette adaptation a été
accompagnée par la découverte, à Leicester, des restes du vrai Richard III sous
un parking : quelle déchéance, pour celui qui se crut sans doute roi du
monde ! Et quelle ironie lorsque le balai-serpillère qui sert dans cette
adaptation à nettoyer le sang répandu se transforme en sceptre de
souverain ! Quelle dérision lorsque la couronne royale n’apparaît que sous
la forme d’un chapeau de clown ! En cela, nul doute, cette version est
fidèle à Shakespeare, qui savait bien mêler la poésie à la trivialité, le rire
à la tragédie. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> Le (considérable)
travail de Jean Lambert-wild, Lorenzo Malaguerra et Gérald Garutti donne aussi
à voir avec Richard III le travail inlassable d’un comédien : car qu’est
donc d’autre cet extraordinaire personnage ? Ainsi voit-on durant toute la
représentation le miroir et la table de maquillage de l’acteur, des
marionnettes et des pantins, et tous les artifices révélés du spectacle. D’ailleurs,
cette adaptation est le lieu permanent du <i>Deus
ex machina</i>, du trucage, de l’artifice, d’où émane la poésie : bouches
animées par une roue avec stroboscope, au milieu d’autres roues décorées d’un
formidable engrenage sans doute métaphorique, des ballons et des barbes-à-papa
où l’on projette de merveilleux visages parlant, ou le chambellan Hastings
envisagé comme une statue colorée s’animant et finissant par exploser en une
nuée de confettis… Tout cela a finalement des airs de fête foraine du début du
20<sup>ème</sup> siècle, lorsqu’Elodie Bordas revêt son uniforme et son fez,
lorsqu’elle parle comme à la parade, et lorsque Richard III s’amuse à un jeu de
massacre dont les têtes-cibles, qu’il s’amuse à viser, sont la reproduction à
l’infini de la sienne. Le jeu – certains diraient « la performance – des deux
comédiens est en tout point remarquable, dans les variations de la parole et
des déplacements, dans le respect du texte et même dans la « mise en
danger » des corps se tournant et retournant au-dessus du vide. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> <i>Loyaulté me lie </i>convoque sans en abuser
quelques accessoires et sons plus contemporains : pistolets, échos qui
renvoient Richard à sa folle solitude, à sa mélancolie dévorante, fenêtres qui
claquent en se refermant comme des couvercles de tombeau. Et l’on admire
l’hommage à Limoges lorsque le roi revêt son armure en porcelaine réalisée par
Stéphane Blanquet, Christian Couty et Monique Soulas : on songe un instant
à tous les ouvriers en porcelaine qui fréquentèrent jadis cette rue qui ne
portait pas encore le nom des coopérateurs. L’armure est en effet magnifique,
dans ses tons de bleu, de blanc, d’argent… mais elle montre un monstre – hydre
ou serpent biblique comme on se plaisait à les représenter aussi sur les émaux
d’autrefois – qui semble prêt à dévorer cet homme coupable et elle ne couvre
Richard III qu’à moitié : fragile, elle ne peut le protéger vraiment de
son principal ennemi, lui-même. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> Jusqu’à la
lie, avec Richard, nous buvons la liqueur d’amertume, qui est aussi un peu la
nôtre. Jusqu’au final magnifique ou, suspendu dans l’éther aux couleurs de
Turner, habité par des nuages à la Constable et des images rappelant les
funérailles de Georges VI, l’âme de l’assassin, dialoguant avec elle-même, sa
conscience ou Dieu, et sans doute le Diable, vogue vers la mort qui abolit
tout, dans un ultime riff de guitare.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"> <i>Etre ou
ne pas être</i>, et être cela, telle est bien toujours la question.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 107%;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">(24 janvier 2016)<b><o:p></o:p></b></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-51857645510415152602015-11-06T03:19:00.000-08:002015-11-06T03:19:05.188-08:00La 34ème Foire du livre de Brive<div style="text-align: center;">
<a href="http://france3-regions.blog.francetvinfo.fr/ici-c-est-limoges/2015/11/06/la-foire-du-livre-de-nos-voisins-brivistes.html">A lire ici...</a></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-32103294465412878922015-10-16T06:25:00.000-07:002015-10-16T06:25:42.712-07:00La tunique noire de l’âme, de Marie-Noëlle Agniau (La Porte, 215 rue Moïse Bodhuin, 02000 Laon, 2015)<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En exergue du nouveau recueil de
Marie-Noëlle Agniau, une citation d’Eschyle qui donne son titre au recueil :
« La tunique noire de l’âme est déchirée d’effroi. » Elle est
extraite de sa tragédie <i>Les</i> <i>Perses</i> (dont l’armée a été anéantie par
les Grecs à Salamine). Il est donc question ici de sombre et de peur, comme
chez le tragédien où règnent les ténèbres (ἐπεὶ δὲ φέγγος ἡλίου κατέφθιτο). La
poète – helléniste – emprunte donc aux antiques poètes pour créer un chant de
conjuration : <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>« Issue à la détresse ! Issue à la détresse ! Ce que l’on
cherche est issue à la détresse d’un cœur arrêté dans l’immonde. »<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Mais quelle est l’origine de
cette détresse, qui s’exprime ici de façon multiple, puisqu’il est question de
cauchemars, de vieillissement et de corps qui s’en va, de mort, de prison, de
douleur, de suaire et de spectres, de blessé par balles, de tricherie, de
plaies du corps, du Néant, de piège à bêtes, de froid, de miettes, de poussière
et de moisissures, de guerre, de la chair et du sang autour de la cible, de
trou noir, de « la furie du soldat Bachar al-Assad » ? A-t-elle-même
une origine ? Quelle est la faille, la perte ? Y a-t-il une issue à
être ? Tout le mystère et la désolation, ne serait-ce pas l’humain ? <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Il est question d’os, aussi, de
maxillaires, de colonne, armature toujours fragile de l’homme. Qu’écrivait
Zola, déjà ? « Quand on s'aime dans le crime, on doit s'aimer d'une
passion dont les os craquent. » Mais de quel(s) crime(s) s’agit-il ici ?
De quels morts la poète se fait-elle la comptable, depuis « le chien (qui)
veut mourir,/Tout seul dans la nuit. » jusqu’aux enfants tués par les
sbires du dictateur syrien ?<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Face à ce sombre, la narratrice
se dit « bête indestructible ». Et reprend l’antienne séculaire :
<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>« Nous sommes de ceux qui attendent.<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Nous sommes de ceux qui appellent. »<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>De profundis clamavi ad te, Domine</i> (« Des profondeurs, je
criai vers Toi, Seigneur »), le <i>Psaume
130</i>, qui a tant inspiré. Il y a d’ailleurs bien des correspondances entre
le poème de Charles Baudelaire et le recueil de Marie-Noëlle Agniau, au « fond
du gouffre obscur où mon cœur est tombé. » Rien de ce qui fut sollicité ne
semble avoir donné de réponse – pas plus les livres que les machines ou que
toute une vie. N’y aurait-il donc que le silence face à la plainte ? <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Et puis il est question de ce livre
qui attend et qui ne fut pas écrit. Quel est-il ? Est-ce une œuvre de la
poète ? Une impossibilité à dire ? Cette poésie, comme exorcisme à ce
silence ? « Les mots lancés comme des mondes qui ne se répètent pas. »
Oui, la poésie, gage d’immortalité car « si ton récit est détruit, qu’est-ce
qu’il y a ? ».<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Et puis cette « terre d’Elée ».
Ce retour – encore – aux origines, à la terre d’Italie, à la philosophie (qu’enseigne
Marie-Noëlle Agniau). Nous sommes dans les parages de Parménide et de Zénon.
Une poésie ontologique, pourrait-on dire : « Je, été. » Chercher
à dire, chercher à être, chercher à dire l’être. Cette poésie pour révéler la
bête énorme, celle qui sent et qui renifle – une autre façon de se dire. Une
poésie profonde et belle.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Et toujours, chez Marie-Noëlle
Agniau, les enfants. Celui qui a disparu et qui la hante, le frère et son
suaire ou la tragédie initiale (« la tunique noire de l’âme »,
peut-être) ; et les autres, bien vivants, avec leur cœur : « ça,
c’est poussière de fée. » Les jeux. La musique. L’épuisette. La balle et
tout le reste, dans le jardin, « le vert désordre ». La vie. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Et si finalement, de manière incongrue
et grâce à la poésie, l’apaisement et le bonheur l’emportaient, au moins le
temps d’un été ? « L’air est doux », c’est la chanson finale. L’issue
à la détresse.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>16 octobre 2015.<o:p></o:p></b></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-30629475308165208522015-09-20T06:01:00.001-07:002015-09-20T06:01:37.814-07:00AMzer ou les saisons d’Alan Stivell
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: center;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;">Le chanteur et musicien
breton sort un nouvel album apaisé chez World Village, comme toujours fidèle à
la poésie et à la pointe de la modernité musicale <o:p></o:p></span></span></b></div>
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: center;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><o:p><span style="font-family: Calibri;"> </span></o:p></span></b></div>
<br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: right;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;">Par Laurent Bourdelas</span><a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Critique%20AMzer.docx" name="_ftnref1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></b></span><!--[endif]--></span></span></a><o:p></o:p></span></b></div>
<br />
<div align="right" class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: right;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><o:p><span style="font-family: Calibri;"> </span></o:p></span></b></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>J’ai déjà
écrit qu’Alan Stivell était un homme de cohérence et de fidélité(s) : à la
Bretagne, bien sûr, à la harpe celtique depuis l’enfance – lorsque son père
Georges Cochevelou la réinventa -, à la musique celtique, mais aussi à la
poésie (depuis au moins <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Trema’n Inis</i>),
à la recherche et à l’innovation constante, du folk au rock progressif et à
l’électronique. Et puis Stivell fut l’un des précurseurs de la world music,
notamment avec sa « Symphonie celtique » puis avec l’album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">1 douar </i>(« une terre ») – dont
Youssou N’Dour disait encore l’été 2015 combien il avait compté pour lui qui y
chantait. Car l’une des autres constantes du musicien breton est de savoir,
depuis le début, s’entourer de chanteurs et musiciens de qualité – et même de
donner leur chance à certain(e)s.<o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ce nouvel
album entremêle ces diverses constantes avec virtuosité et à-propos. Jadis, les
navires de la Compagnie des Indes quittaient le port de Lorient et voguaient
durant des mois vers les comptoirs d’Asie : côtes indiennes, Chine ou
Japon. Les liens sont donc anciens entre Bretagne et Pays du Soleil levant… Stivell
les retisse ici en adaptant les haïkus de (Kobayashi) Issa (auteur romantique
du 19<sup>ème</sup> siècle), Yosa Buson (artiste-peintre, maître du poème
classique, vivant au 18<sup>ème</sup> siècle) et Matsuo Bashô (l’un des maîtres
au 17<sup>ème</sup> siècle du poème classique, subtil et lyrique), en associant
langues nippone et bretonne, « pour dire le printemps qui vient et celui
qui s’en va », mais aussi voix masculine et voix féminines, et encore
langues française et anglaise.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Ces
sonorités particulières de la langue et de la poésie japonaises, accompagnées
par la flûte japonaise (shakuhachi) de Véronique Piron, donnent à tout l’album
une indéniable coloration zen : après tant d’années de musique, de
tournées, de combats, voici venu le temps de l’apaisement. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">AMzer </i>où le temps qui passe, les saisons qui se succèdent :
celles qui rythment l’année, celles qui ponctuent la vie. Normal, lorsqu’on est
né en 1944 de songer à se retourner sur le temps écoulé, de se demander <i style="mso-bidi-font-style: normal;">What Could I Do ?</i>, dans un blues
beckettien inspiré par l’absurdité de l’existence. Et malgré les échecs, les
blessures ou les pertes des « mois noirs » - <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Purple moon </i>pour dire la séparation amoureuse ou la mort, dans le
balancement lui aussi japonisant des bambous où se frôlent les ailes d’oiseaux –,
ou peut-être grâce à eux, Alan Stivell comprend, après et avec d’autres, que le
bonheur tient aussi à des « petites » choses, ce que l’on appelle
parfois des épiphanies et que procure souvent la contemplation de la
nature : <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Au plus près des limites –
je marcherai</i> est l’adaptation d’un poème de Bruno Geneste qui transforme
une promenade littorale estivale en méditation quasi métaphysique, entre
maritime et minéral ; le magnifique <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Postscript
</i>(l’un des meilleurs moments du disque) où le merveilleux poète irlandais
Séamus Heaney, prix Nobel de littérature, <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>dit la beauté émouvante des côtes du comté de
Clare en automne, là où les falaises plongent dans la mer, gardées par des
tours médiévales et des vestiges plus anciens encore. Où il dit aussi la
condition humaine : <i style="mso-bidi-font-style: normal;">« You are
neither here or not there,/A hurry through wich know and strange things pass »</i></span><a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Critique%20AMzer.docx" name="_ftnref2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-family: Calibri;">.
Il ne s’agit pourtant pas d’angélisme ou d’oubli complet du monde, dont un
manteau de pétales de fleurs de cerisiers ne saurait dissimuler tout à fait la
noirceur. Stivell se laisse donc gagner par la sérénité, avec <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Halage </i>où il admire l’envol cendré des
hérons (on l’imagine volontiers longeant par exemple le canal de Nantes à
Brest) et aspire au retour du printemps – aube du monde, jeunesse, fontaine de
jouvence comme à Brocéliande, dont il chanta jadis les eaux miraculeuses – :
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">New’AMzer – Spring </i>(poème d’éveil des
sens écrit par Kentin Bleuzen alors élève du collège Diwan de Quimper où
chantent la harpe et les oiseaux) ; <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Echu
ar GoANv ? – Till Spring ? </i>où la harpe acoustique cordée métal (conçue
par Stivell et Vincenzo Zitello) conclue joliment toutes les impressions
ressenties en écoutant l’album.<o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Fidèle à la
démarche artistique de respect de l’inspiration « traditionnelle »
bretonne et celtique revivifiée par l’innovation musicale et technique, Stivell
fait ici appel à deux « sound designers » de grande qualité :
David Millemann (par ailleurs guitariste sur l’album) et Nicolas Pougnand. Le
travail de préparation a duré trois années environ, sans doute commencé dans le
beau <i style="mso-bidi-font-style: normal;">home studio </i>dans la maison près
de Rennes, où se côtoient toutes les belles harpes jouées depuis l’enfance, poursuivi
au studio Tillaut (Chevaigné, Bretagne), à La Licorne Rouge (Rennes) et à
Translab (Paris). Le résultat est tout à fait exceptionnel, parfois presque « radical ».
Si, toujours, la harpe domine et conduit – dont la dernière en date, dessinée
par Stivell, élaborée par Tom Marceau en 2013-2014, avec le précieux concours
du pool mécanique de l’Université Rennes-Beaulieu 1 –, la création
électronique, très contemporaine (au sens, souvent, d’art contemporain), très à
la pointe, va loin. C’est par exemple le cas avec <i style="mso-bidi-font-style: normal;">KAla-GoANv – Calendes d’hiver</i>, moment mystérieux et inquiétant où
se mélangent sons, musiques et voix retravaillés jusqu’à une forme radicale d’expérimental.
Idem avec <i style="mso-bidi-font-style: normal;">KErzu – December</i>, ses
bruits, ses enregistrements diffusés à l’envers, ses parasites, ses étranges
impressions mais aussi ses réminiscences, comme la bande originale complexe d’une
œuvre et d’une vie. Sans oublier les allusions sonores à un univers de
science-fiction depuis longtemps cher à l’artiste. Sous des aspects en
apparence plus <i style="mso-bidi-font-style: normal;">main street</i>, la
musique de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Purple moon</i> – entêtante –,
associe subtilement les glissements sur la harpe, la modification de la voix
(qui devient celle d’un chaman ou d’une créature possible de l’au-delà), les
résonances. Enfin, comme toujours, Alan Stivell fait appel à de superbes voix
féminines pour accompagner ses compositions et son propre chant : les
Japonaises Toshiko Dhotel ou Maliko Oka – <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Other
Times – AmZErioù all </i>est une création qui accompagne longtemps celui qui l’a
écoutée, entre contemporain et traditionnel japonais, ouvrant sur la suivante,
tout aussi réussie : <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Matin de
printemps – Kesa no haru </i>; Grainne O’Malley, voix irlandaise toute en
clarté de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Postcript</i>. <o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 8pt; text-align: justify;">
<span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><span style="font-family: Calibri;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Ecouter
cette œuvre aboutie et réussie, c’est entrer dans l’« eau calme » -
celle dont le son discret et apaisant accompagne ceux qui méditent dans la
beauté des jardins zen.<o:p></o:p></span></span></div>
<br />
<div style="mso-element: footnote-list;">
<!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="margin: 0cm 0cm 0pt;">
<a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Critique%20AMzer.docx" name="_ftn1" style="mso-footnote-id: ftn1;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Calibri;">
Biographe d’Alan Stivell en 2012 (Editions Le Télégramme), auteur du texte <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Purple moon </i>sur l’album.<o:p></o:p></span></span></div>
</div>
<div id="ftn2" style="mso-element: footnote;">
<div class="MsoFootnoteText" style="margin: 0cm 0cm 0pt;">
<a href="file:///C:/Users/Laurent%20Bourdelas/Documents/Critique%20AMzer.docx" name="_ftn2" style="mso-footnote-id: ftn2;" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="mso-special-character: footnote;"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: FR; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></a><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Calibri;"> « Ni
d’ici, ni de là-bas, tu es/Une hâte par où passent l’étrange et le connu » ;
traduction par Patrick Hersant <i style="mso-bidi-font-style: normal;">in L’étrange
et le connu</i>, Gallimard, 2005.<o:p></o:p></span></span></div>
</div>
</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-33865792312407378072015-08-27T08:27:00.001-07:002015-08-27T08:27:35.285-07:00Alan Stivell ou la recherche créative permanente<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Le 22 septembre, sortie chez World Village (Harmonia Mundi)du 24<sup>ème</sup>
album du chanteur et musicien breton qui, tout en demeurant fidèle à
l’inspiration celtique d’origine, n’hésite pas, comme il l’a fait tout au long
de sa carrière, à explorer l’électro et l’expérimental.</b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Amzer (seasons)</i> est donc le nouveau disque d’Alan Stivell, chanteur
et musicien – fils de Jord Cochevelou, « réinventeur » de la harpe
celtique – très largement à l’origine de la « vague bretonne »
des années 70, qui n’a cessé depuis de créer et d’innover, au lieu de se
contenter d’un « fond de commerce » qui lui aurait assuré des
dizaines de milliers, des millions de fans à travers le monde. Un succès remis
au goût du jour il y a peu par le succès de l’album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bretonne </i>de Nolwenn Leroy. Peut-être certains, dans l’Hexagone, en
sont-ils restés à <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tri martolod </i>ou à
quelques autres des airs qui enchantèrent l’Olympia en 1972, à l’occasion d’un
concert mythique (dont l’anniversaire fut dignement célébré en 2012). Ce serait
méconnaître l’œuvre et les engagements de Stivell.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Il faut d’abord rappeler qu’il
s’agit d’un harper d’exception, popularisant la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">telenn </i>(la harpe celtique dont il est tombé amoureux enfant) à
travers le monde, suscitant par là-même des vocations de luthiers, de musiciens
(pas des moindres ! Cécile Corbel, par exemple, devenue star au Japon) et
d’enseignants, de la Bretagne
aux Etats-Unis. Des albums comme <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Renaissance
de la harpe celtique, Harpes du Nouvel Âge </i>ou <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Au-delà des mots </i>y ont largement contribué, et la recherche
constante de perfectionnement, d’amélioration (jusqu’au design) de
l’instrument. Ainsi, dans le nouvel album, utilise-t-il une harpe qu’il a dessinée
et que Tom Marceau a élaborée et réalisée en 2013-2014, les mécaniques uniques
étant l’œuvre du Pool mécanique de l’université Rennes-Beaulieu 1. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Il faut dire aussi que ce
créateur et musicien est, depuis toujours, en recherche constante : il
s’est agi, tout en s’inspirant des musiques celtiques
« traditionnelles », d’explorer les nouveaux champs musicaux, au fil
du temps : folk (l’époque des « hootenannies » de Lionel
Rocheman au Centre américain à Montparnasse), rock progressif, pop, electro. Stivell
n’a pas craint de mêler harmonieusement la bombarde, le biniou, au violoncelle,
à la guitare électrique ou au synthé et aux diverses machines électroniques.
« J’aime faire croire à tout autre chose qu’une harpe : sons de basse
acoustique, sons de guitares électriques ; mais, aussi, d’autres totalement
expérimentaux et déformés », déclare-t-il. Au risque de dérouter certains
fans de la première heure. On ne doit pas oublier non plus qu’il fut l’un des
précurseurs de la « world music », avec son album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tir na nog </i>(symphonie celtique), ou avec
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">1 Douar, Une terre</i>, avec notamment
Khaled et Youssou ’N Dour. Pas étonnant que de nombreux artistes de renom aient
chanté ou joué avec lui, Jim Kerr, de Simple Minds, Shane Mc Gowan, des Pogues,
Kate Bush, Laurent Voulzy et tant d’autres. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Stivell a, depuis l’origine,
entrepris un compagnonnage avec les poètes – on se souvient de l’album <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Trema’n Inis</i> avec diverses adaptations
dont celle de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Hommes liges des talus en
transes </i>de Paol Keineg. Il le poursuit sur <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Amzer </i>avec divers poètes contemporains, dont le grand poète irlandais
Séamus Heaney, mais aussi des maîtres du haïku japonais : Kobayashi Issa,
Yosa Buson, Matsuo Bashô.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Le chanteur, né en 1944, a été le fer de lance
de la culture bretonne, il a contribué à faire évoluer le mouvement breton vers
la gauche et l’écologie – lui qui a participé à Mai 68 et aux grandes luttes
contre le camp militaire du Larzac, contre le nucléaire et a même soutenu <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Libération</i> à ses débuts. Il a largement
participé au succès du Festival interceltique de Lorient et à la notion,
justement, de « musique celtique ». S’est battu pour la
reconnaissance et l’enseignement de la langue bretonne, pour un statut
particulier de la Bretagne
au sein de l’Europe, et pour la « réunification » de celle-ci -
Pétain et les Allemands en ayant abusivement séparé la Loire-Atlantique
et Nantes, capitale historique, en 1941. Demande malheureusement ignorée lors
de la récente réforme territoriale hollandaise. Mais avec le nouvel album, plus
contemplatif, Alan Stivell aspire au zen, à la sérénité, aux bonheurs simples
et quotidiens, même si un manteau de fleurs ne saurait tout à fait dissimuler
la souffrance du Monde, même si le chanteur, lecteur de Beckett, a conscience
de l’absurdité toujours possible de l’existence. Mais vue de l’extérieur, la
sienne est au contraire très cohérente, depuis que, très jeune, il décida de
renouveler la musique bretonne et de la rendre populaire aussi bien en Bretagne
qu’en France et dans le monde.</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-26795425837319646782015-07-26T10:13:00.002-07:002015-07-26T10:13:59.672-07:00Hélium à Vicq-sur-Breuilh<div style="text-align: justify;">
Le 23 juillet, la Compagnie de Thomas Visonneau était l'invitée du Musée et des Jardins Cécile Sabourdy à Vicq-sur-Breuilh, où elle proposait <em>Helium</em>, une déambulation théâtralisée mettant en scène deux personnages, Monsieur Linden, sujet aux idées noires (interprété par Edouard Bonnet), et l'optimiste Archie Smith (Frederic Périgaud). Un spectacle essentiellement mimé, les deux comédiens utilisant au mieux les aspérités du terrain, l'espace champêtre, des gradins, une échelle, la cour du musée (où trône une sculpture contemporaine verte particulièrement laide sur une fontaine - "contemporain", te dis-je!). Des stations ponctuées par de la musique et quelques considérations enregistrées sur le fait que ces deux-là, nous les croisons tous les jours et que nous sommes l'un et l'autre au fil de notre existence.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Finalement, l'histoire s'accommode bien de la thématique naïve des expositions proposées en ces lieux. Les deux comédiens s'opposent et se rejoignent, accompagnés de ballons noirs pour l'un et colorés pour l'autre, et les scènes qui se succèdent finissent par inventer un univers onirique nourrissant l'imaginaire des enfants nombreux à assister à la promenade et rappelant aux adultes qui les accompagnent qu'ils eurent un jour cette capacité perpétuelle d'émerveillement. La petite taille du comédien jouant Archie Smith nous le fait voir comme un lutin facétieux et souriant finissant par contaminer le triste M. Linden par sa bonne humeur et même à lui redonner le goût de la parole.</div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
Il faut prendre ce spectacle pour ce qu'il est: une création réalisée d'abord avec les élèves de 5ème d'un atelier-théâtre, simple et léger comme les ballons gonflés à l'hélium, qui s'envolent haut dans le ciel. On pourrait rêver de s'y accrocher, comme Mary Poppins à son parapluie.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-22426902124057307662015-05-07T14:15:00.004-07:002015-05-07T14:15:37.167-07:00Des nouvelles de l’écrivain Marc Bruimaud<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Marc Bruimaud est né le 17
décembre 1958 à Vierzon. Doit-on alors le ranger parmi les écrivains berrichons,
comme Sylvie Germain, Christine Angot, née à Chateauroux (<i>« J’ai
toujours voulu en partir, je ne comprenais pas les filles de mon âge qui
voulaient y rester »</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">), ou
même Jean-Christophe Rufin ? Y a-t-il un déterminisme des bords de
l'Yèvre, du Cher, du Barangeon, de l'Arnon et du canal de Berry ?
S’ennuie-t-on tant à Vierzon (comme l’a suggéré Jacques Brel, finalement, quand
le petit Marc avait dix ans) ou à Châteauroux (où il a passé son enfance) que
l’on emmagasine assez de cet ennui pour en faire de la matière à
écriture ? Ou bien est-ce autre chose, une blessure initiale, d’enfance, comme
le laisse supposer <i>Mon père</i>, un texte de Marc Bruimaud paru dans la
revue <i>Métèque </i>(n°2, avril 2015) ? Un univers familial prolétaire,
sans doute, cheminot – mais un drôle de cheminot qui n’aimait pas les
communistes et aurait voulu être légionnaire. Raciste, semble-t-il, misogyne, homophobe,
traitant sa femme « comme une chienne », tout encombré de son fils.
Fêlure. « </span>Mon père se trouvait plus jeune que la moyenne. À la fin,
il avait l’air d’un vieux déchet. »</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="mso-bidi-font-style: italic;">Ne doit-on pas dire que Marc Bruimaud est un
auteur installé à Limoges depuis un certain temps (le collège), où il a œuvré à
l’animation du regretté Centre international de documentation, de recherche et
d’édition (CIDRE) Raymond-Queneau (auteur auquel il a consacré divers
ouvrages), qu’il est aussi critique, qu’il intervient dans le domaine de l’art
contemporain, qu’il est passionné de cinéma et l’a pratiqué comme réalisateur,
acteur ou scénariste… qu’il a écrit quelques supercheries littéraires sous le
pseudonyme de Guy (ou Guylaine) Misty. Qu’on remarque sa silhouette imposante
quand il arpente les rues de Limoges (où il enseigna) et que l’on s’amuse de
son franc-parler qui fait du bien en ces temps où les bobos parlent à outrance
le politiquement correct. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="mso-bidi-font-style: italic;">Les éditions Jacques Flament publient dans
leur collection « Côté court Littérature » un petit livre de Marc
Bruimaud, à couverture noire, d’une cinquantaine de pages, une nouvelle si l’on
veut, intitulé : <i>Makolet</i>. Une histoire dont le narrateur n’est pas
forcément celui que l’on croit, du moins au début. Un texte qu’on lit d’une
traite et dont la critique aurait peut-être pu s’appeler « le freak, c’est
chic ». Après tout, dans <i>La monstrueuse parade </i>(<i>Freaks</i>), Tod
Browning mettait en scène, en 1932, un nain amoureux d’une belle trapéziste,
Cléopâtre. Bruimaud, lui, raconte l’histoire tragique d’un nain, lui-même
fasciné par la trajectoire d’un autre nain mondialement célèbre : l’acteur
français Hervé Villechaize, bien connu des cinéphiles pour ses rôles dans <i>L’homme
au pistolet d’or </i>ou <i>L’île fantastique</i>. Le narrateur ne le cite pas,
mais on le reconnaît très vite. Surtout à sa mort : un suicide par balle
après avoir regardé <i>Le Magicien d’Oz </i>(une histoire d’orpheline apeurée,
vous vous souvenez ?). C’est sa compagne, la rousse et pulpeuse Kathy
Self, qui le trouva baignant dans son sang. Cette mort surprend le
narrateur : Hervé avait tout pour être heureux et imposer le respect aux
autres. Oui, mais il était nain.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Il y
a un autre acteur disparu dans le livre : celui qui lui donne son titre.
Macaulay Culkin, qui joua dans <i>Maman j’ai raté l’avion </i>(1990). Un gamin
malheureux dont les parents voulaient récupérer l’argent. Dont la sœur Dakota
est plus tard morte écrasée par un chauffard, à Los Angeles. Et dont une rumeur
persistante a annoncé la mort à New York. Peu importe qu’elle soit fausse, elle
parle d’un gosse malheureux. Comme celui dont il est question dans <i>Makolet </i>:
un enfant abandonné par sa mère parce qu’il était nain, un orphelin chez les
Sœurs : « à un moment de leur vie, on a pas voulu d’eux. Ca, ça
dépasse tout le reste. » Un enfant très seul et différent. Qui souffre en
permanence.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<span style="mso-bidi-font-style: italic;">Et, plus tard, un jeune, un adulte, frustré
sentimentalement et sexuellement. Que Sarah, la jeune fille qui lui fait la
charité de ses visites, ne peut contenter, pas plus que la femme qui tient le
sex shop où il se rend parfois. Alors, il devient acteur porno chez Marc
Dorcel, ce qui lui permet d’éprouver du plaisir, mais aussi de finir par croire
que les actrices qui doivent jouer avec lui pour permettre la réalisation de
films bizarres l’aiment vraiment. La désillusion vient de Rita, qui lui fait
éprouver avec violence combien elle le méprise…</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-bidi-font-style: italic;">Raconter la suite du livre de Marc Bruimaud serait priver le lecteur du
plaisir du suspens de sa lecture. Mais il y est question d’un autre garçon
triste, parce que loin de ses Antilles : Désiré. Avec qui le nain se lie à
la vie, à la mort. L’intérêt de ce livre est multiple, c’est presque une
prouesse en si peu de pages : intrigue originale, style agréablement
cinématographique, moments « pornographiques », polar… Et il s’agit
aussi d’un ouvrage qui aborde la question de l’écriture – qui écrit, comment,
pourquoi ? On en revient au début de ces lignes. A la fêlure de l’enfance,
précise dans <i>Makolet </i>comme dans le texte <i>Mon père</i>. Celle qui
nourrit, depuis toujours, bon nombre d’écritures. « </span>Mon père disait
aussi : <i style="mso-bidi-font-style: normal;">« Si t’arrêtes pas, je
vais te foutre DÉ-HORS »</i>.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>7 mai 2015.</i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;">Jacques Flament Editions, 44 rue Principale, 08380 La Neuville aux Joûtes. 4,50 euros. </span><i><span style="font-size: x-small;"> </span></i></div>
<i>
</i><div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-39522319113349468712015-03-21T07:40:00.002-07:002015-03-21T07:40:33.461-07:00Marie-Noëlle Agniau, Le pays d’étincelles (Collection « Poésie en voyage », Editions La Porte, 2014)<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiW6HhYM_G_axsGx32S3sTqPVWymAtjp503h3HFpqztzjlFtfd86x1VCKMuT6rbAyGoT9yPJ7sjj2EmgmOOtRrTcRFvAA2lsWCd8zFnSoZ_x_7FhJG8fqtMA-jn6vjP5fvTAw3YjPti58/s1600/A+201420140309_97.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiW6HhYM_G_axsGx32S3sTqPVWymAtjp503h3HFpqztzjlFtfd86x1VCKMuT6rbAyGoT9yPJ7sjj2EmgmOOtRrTcRFvAA2lsWCd8zFnSoZ_x_7FhJG8fqtMA-jn6vjP5fvTAw3YjPti58/s1600/A+201420140309_97.JPG" height="320" width="240" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-small;">(c) L. Bourdelas</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Depuis
longtemps, Marie-Noëlle Agniau fait des <i style="mso-bidi-font-style: normal;">étincelles</i>
en poésie, au sens premier de ce mot : « parcelle incandescente qui
se détache d’un corps en ignition ou qui jaillit au contact, sous le choc de
deux corps. » On le sait depuis Rimbaud et d’autres, le corps du poète –
au sens aussi du corps du roi – est en combustion, toujours prêt à s’enflammer
(« je suis le fou sans dire pourquoi et passe le feu depuis l’enclos. »).
Et comme Charles Baudelaire écrivait du souvenir du « vert paradis des
amours enfantines » qu’il était le lieu de genèse du poème, la poète place
en exergue de son recueil une citation de Tristan Corbière : « il
fait noir, enfant, voleur d’étincelles. » (thème filé tout au long du
recueil aux pages cousues). Comme l’enfant, le poète est celui qui demeure le
voleur d’étincelles au milieu du monde obscur, dans les ténèbres où la fêlure
est possible : « Et toujours quelque part, dans un coin très clair,
le poème : pays d’étincelles. » Même si la nuit elle-même peut être
révélatrice (« La nuit tout en haut me dit que c’est clair. »).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
A l’origine de
cette poésie, ceux qui la lisent depuis le début savent qu’il y a une
perte : « tout le petit frère dans un tombeau » - une enfance
disparue qui ne put faire d’étincelles. Et que le travail d’écriture de
Marie-Noëlle Agniau, par-delà la mort (elle est une Antigone qui offre une
sépulture à son frère, mais comme Sisyphe aussi, elle ne cesse d’accomplir ce
sacerdoce), est de ré-enchanter le monde (de le sortir du « coma »),
pourtant si abîmé, par le démon, la bête obscure, la peur, la douleur, et
toutes les guerres, celle de 14 (« Un obus. Des enfants. Un obus. Des
obus. ») jusqu’à celles de Mésopotamie (hier et aujourd’hui). C’est une
affaire de langage et, dans cette poésie, un travail pour s’approprier
approximative syntaxe et mots enfantins, et les mêler à une écriture poétique
belle et affirmée. Et les télescopages paradoxaux sont constitutifs de cette
poésie : « Baston : Roudoudou a mangé Saturne. » Marie-Noëlle
Agniau dit à la fois l’enfance de ses propres enfants et en même temps imagine celle
du frère disparu (lui insufflant ainsi la vie). L’enfance universelle (celle du
« cancre bleu » prévertien et rimbaldien) comme une sorte de possible
innocence, de fragilité magique, de possibilité du rêve, lorsque « le réel
est l’intrus ou n’est pas. » - ce qui explique sans doute aussi la
convocation de bêtes merveilleuses comme les licornes. <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Oui, ce travail est bien celui de tenter de
dire l’enfance - « une petite fille au bord de la route :
étrange, quel est son nom ? » - l’étrange énigme qui nous accompagne.
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-indent: 35.4pt;">
Les petits
faits (en apparence), les mots de cette enfance (« les mots que tu
choisis ») qui ont la saveur de la grenadine, et le regard porté sur elle,
nourrissent une poésie puissamment évocatrice : « Un escargot tisse
sa toile dans la lessive » - simple en apparence seulement. Une poésie,
également, particulièrement musicale : « cellules, cellules, cervelle
d’enfant, chasse les cellules, poissons volants. », qui se rattache à la
tradition millénaire de la poésie <i style="mso-bidi-font-style: normal;">dite </i>ou
chantée, d’Homère et des troubadours à la poésie « sonore » - et l’on
sait que Marie-Noëlle Agniau excelle dans cet exercice. Avec toutes les petites
choses qui n’ont l’air de rien (souffle, puce, poussière, jeu des mouches,
brindilles, atomes, vide, grain, pollen, fils d’or, herbes, pinson, lunules,
épingle, coccinelle, etc.), demeure une poésie qui va à l’essentiel du Verbe,
du Monde et de l’Homme (« C’est toi ! ») et qui, même si les
« lettres s’effacent/écrites comme en braille », est peut-être la
seule chose qui importe vraiment et que l’auteur s’obstine à faire vivre dans
son œuvre depuis le début cohérente (« écho écho un petit carnet dans
chaque phrase »), car celle-ci « est immense et commence/à peine à
parler… », ce qui nous promet d’autres beaux moments de lecture.</div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-66580561284444841332015-02-25T02:10:00.001-08:002015-02-25T02:10:17.384-08:00Daral Shaga ou la beauté brûlante de la tragédie et de l’espoir des réfugiés, « sans-papiers » et autres exilés<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Après la réussite émouvante d’<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Infundibulum</i>,
la Compagnie
bruxelloise de cirque contemporain Feria Musica propose un oratorio d’une
furieuse beauté inspiré par le parcours d’exilés-émigrés.</b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span></b>Trois
chanteurs ; trois musiciens : au piano, au violoncelle et à la
clarinette, dialoguant fébrilement ; pour une partition entre jazz et
expérimental, écrite par Kris Defoort. Un livret poétique mais plutôt
minimaliste écrit par Laurent Gaudé, Prix Goncourt, comme on s’en souvient. Des
artistes circassiens de haut niveau, époustouflants de force, d’agilité, de
beauté. La création video si <i style="mso-bidi-font-style: normal;">expressionniste</i>
de Giacinto Caponio. Et la direction artistique de Philippe de Coen, la mise en
scène de Fabrice Murgia. C’est <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daral
Shaga </i>est un oratorio, mais plus encore un univers artistique dans lequel
plonge avec plaisir mais inquiétude le spectateur. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Deux
histoires qui s’entrecroisent, et bien plus : un émigré-immigré ayant fui
son pays de sang et de pauvreté pour rejoindre un pays riche – y a-t-il
survécu ? Y est-il mort écrasé en traversant une route et sa voix
fantomatique nous accompagne-t-elle alors ? Une fille et son vieux père en
fuite, en exil vers ce même Eden improbable et vers la liberté rêvée. Il a
fallu se délester de tout, ne prendre que l’essentiel, après avoir regardé
longuement les choses que l’on ne pouvait emporter pour en conserver la mémoire
– ce bagage ultime des exilés. Il a fallu partir, comme tous les autres, les
milliers, les millions d’autres. Marcher, porter, souffrir. Tenter de franchir
tous les obstacles éprouvants. La mer, peut-être, comme dans le détroit de
Gibraltar, ce grand cimetière vivant, où les gilets de sauvetage ne sauvent pas
du pire. Beauté cruelle de corps mouvants dans l’émeraude liquide… Les chaînes,
la grille, le mur, que l’on essaie de franchir, tout en sachant que certains ne
passeront pas, parce qu’ils sont épuisés et qu’ils n’auront plus la force,
comme ce père qui va demeurer là, et que sa fille regardera longtemps, comme
les objets qu’elle n’a pas emportés, pour le conserver dans sa mémoire. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daral Shaga. Le vieil homme qui ne meurt pas
Et veille sur ceux qui défient la barrière. » </i>Les chaînes, la grille,
le mur, auxquels on se blesse toujours, réels ou métaphoriques ; toutes
les barrières que l’on doit escalader lorsque l’on est un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">étrange étranger</i>. Lorsque l’on est Sisyphe. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Daral Shaga </i>dit tous les murs, toutes les frontières, depuis
toujours : le <i style="mso-bidi-font-style: normal;">limes</i>, le mur de
Berlin, le mur « de sécurité » construit par Israël, celui entre le
Mexique et les Etats-Unis… ceux qui séparent les nantis des métèques, des
barbares… <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Etranges étrangers</i>. Ceux
qui parlent une autre langue. Nos frères. Ceux à qui la mise en scène nous
confronte lorsqu’ils frôlent les spectateurs. Oublier cette humanité, c’est
permettre le surgissement d’autres grilles, comme celles qui entouraient <em><span style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">Auschwitz, si fortement
suggérées par les corps inertes plaqués contre la grande barrière érigée sur la
scène. </span></em></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<em><span style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span>Dans
la beauté des lumières d’Emily Brassier, la confrontation dynamique des images
et des angles de vision, celle des paroles, des chants et de la musique, les formidables
artistes circassiens montrent la vitalité, le désir, de ceux qui avancent,
avancent, au risque de se tordre sur les chaînes et le fer (prouesses
magnifiques), de ceux qui escaladent sans cesse pour partir à l’assaut du monde
et qui en seront le sel. </span>Daral Shaga</em><em><span style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;">, projet artistique global, est une réussite
esthétique et signifiante, qui dit le réfugié, l’exilé, dans toute son humanité
quand tant voudraient le faire apparaître comme d’abord suspect. Mais est-il
encore temps ?</span></em></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<em><span style="font-style: normal; mso-bidi-font-style: italic;"><span style="mso-tab-count: 1;"> </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">29
septembre 2014.</b></span></em></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-88384809052994945272014-11-29T06:41:00.001-08:002014-11-29T06:41:18.643-08:00Un beau moment de danse avec l'option Art-danse du Lycée Suzanne Valadon de Limoges<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Parfois, peut-être parce qu’on la
connaît mal, on désespère de la jeunesse, de ses faiblesses orthographiques, de
sa passion démesurée pour les écrans, de son peu de goût pour la lecture et,
croit-on, pour la culture. Et pourtant, sous ces apparentes cendres couvent des
braises magnifiques et ardentes. C’est exactement ce que j’ai éprouvé en
assistant au spectacle proposé par les élèves de l’option danse du Lycée
Suzanne Valadon de Limoges – en partenariat avec les Centres culturels de la Ville de Limoges, scène
conventionnée pour la danse. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span>Trois
moments chorégraphiques, présentés par des professeurs d’E.P.S. - Danse très
investies dans le projet : Caroline Delage et Séverine Dalher, aidées par
des artistes associés : la chorégraphe Stéphanie Chêne, Ken Thué pour le
hip hop et Marie Orts. Trois moments qui interviennent tôt dans l’année – en
particulier pour les Secondes – puisque c’était fin novembre (une manière,
aussi, de souder le groupe). Trois moments plein d’énergie où se sont
distingués – comme c’est logique – les élèves de Terminale (le seul bémol
concernant la régie son parfois un peu approximative).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span>Au
cœur du spectacle donc, un ambitieux et très poétique travail autour du <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sacre du Printemps </i>– un siècle après sa
création) – de Stravinsky et Nijinski. Choix judicieux pour qui s’intéresse à
la danse, tant cette œuvre a inspiré de chorégraphes, les élèves se
rappropriant ici le travail de Nijinski (qui fit en partie scandale lors des
premières représentations), Béjart et Pina Bausch. Beaucoup de vigueur, de
grâce et de beauté dans cette chorégraphie qui privilégie l’adoration de la Nature au Sacrifice qui
constitue habituellement le deuxième tableau de la chorégraphie. C’est l’amour,
ici, qui l’emporte. D’abord l’amour de la Terre qu’épousent les corps en couronne, ensuite
l’amour du couple essentiel – Adam et Eve, pourquoi pas. Une humanité qui se
réinvente sensuellement sous nos yeux. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">No futur !!! </i>est une création
d’après <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Drop it </i>du chorégraphe
franco-espagnol Franck2Louise (à l’origine danseur et DJ). La chorégraphie
associe les deux passions de l’artiste : univers littéraire de
science-fiction et break dance. Les élèves, revêtus de combinaisons de robots
(aux gestes saccadés, donc), restituent les gestes de machines avant d’entamer
la libération des corps et des esprits, avec notamment de très beaux et
énergiques solos féminins – bien entendu, un parcours reste à accomplir, mais
la volonté est là.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Regarde-moi </i>rassemble tous les jeunes
danseurs sur le plateau et autour (pour les changements de costumes et un
play-back plein de charme) sur le thème du regard porté par le spectateur sur
l’artiste (et l’autre, de manière plus générale). Un univers inspiré du travail
de Pina Bausch où se mêlent théâtre et chorégraphies sur des musiques variées,
depuis la Leçon
de Ténèbres ou la chanson réaliste des années 1930 jusqu’aux rythmes
sud-américains les plus endiablés. C’est vivant, coloré, structuré avec
intelligence, et chacun s’applique quel que soit son niveau de pratique. Les
tableaux s’enchaînent associant l’ensemble du groupe, des duos, des groupes
plus restreints… la réflexion sur l’art, sur le mensonge aussi (avec la force
émouvante de Marine P.)… foulant les pétales rouges chers à la chorégraphe
allemande. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;">(</span>Un
regret cependant que l’on ne saurait reprocher à quiconque : que seulement
deux garçons soient impliqués dans cette belle aventure…).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span>En
tout cas, un moment évocateur et réjouissant.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>Samedi 29 novembre 2014</i> </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-24617744161327829382014-11-01T09:51:00.002-07:002014-11-01T09:51:22.717-07:00Réjouissante Bande de filles<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
La cité, morne.
Les pères absents. Les mères qui font des ménages. Les filles qui entrent en
silence dans les tours surveillées par les mecs. Les frères qui surveillent et
qui cognent. La violence, les chocs. Ceux des matches de football américain.
Ceux des bagarres (filmées sur téléphones portables), pour des suprématies de
pacotille. Ceux des insultes qui fusent d’un quai de R.E.R. à un autre.
Bagnolet, Bobigny, la Défense,
le Forum des Halles (fort bien filmés). Des utopies rêvées par des architectes
et des urbanistes transformées en quartiers oppressants ponctués de dealers et
de guetteurs. La violence du racket à l’entrée du collège, celle du racisme
ordinaire d’une vendeuse de magasin de fringues, et surtout, celle de
l’Education Nationale – scène dans laquelle la caméra emprunte le regard
destructeur de la
Conseillère d’Orientation Psychologue – prompte à éliminer
ceux qu’il faudrait aider. Ceux qui, pour s’en sortir, finissent par se
prostituer ou vendre de la drogue, tombés aux mains de caïds qui croient que la
ville est à eux parce qu’ils dansent sur les terrasses et font rentrer du cash.
C’est tout cela que montre – sans peser – Céline Sciamma dans son film <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Bande de filles</i>. </div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;">
<span style="mso-tab-count: 1;"></span>Mais ce film à l’évidence <i style="mso-bidi-font-style: normal;">politique</i>, en ce sens qu’il questionne sur
ce qu’est notre pays, sur ce que sont certains quartiers de nos villes et sur
ce que sont certains de nos jeunes (aussi bien de la cité que du Paris des
fêtes dites branchées), est aussi réjouissant par la vitalité qui s’en dégage.
On songe en le voyant au « vin de vigueur » évoqué par Rimbaud.
Vitalité féminine, ce qui fait du bien, face à l’apathie et au conformisme qui
semble paralyser les garçons. Et pas n’importe quelles filles pour former la
bande dont il est ici question : des filles fortes moralement et
physiquement, des filles belles, des filles noires : Karidja Touré (Vic –
la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">victorieuse</i>), Assa Sylla (la
piquante et forte Lady), Lindsay Karamoh (Adiatou) et Mariétou Touré (Fily). Filles
aux corps musclés et sensuels, qui ont besoin de se retrouver entre elles et de
créer un cocon d’amitié pour résister au monde extérieur – ne serait-ce que le
temps d’une nuit dans une chambre d’hôtel, à fumer, rire, chanter et dormir. On
comprend alors le choix de la chanson de Rihanna pour les accompagner, ce sont
bien elles les diamants qui brillent dans le ciel (et non pas seulement la
drogue ou l’alcool évoquées dans la chanson)… Il faut parfois passer par le
grégaire pour échapper finalement au déterminisme – ce que semble vouloir faire
Vic à la toute fin du film, après son parcours initiatique, puisqu’il s’agit
bien là aussi d’un film d’apprentissage, comme il existe des romans
d’apprentissage. Apprentissage de l’amour aussi, de la fraternité (et de la
sororité), et surtout de la liberté – qui passe aussi par l’abandon de l’amour
auquel on croyait être destiné. Et puis, malgré la gravité, il y a, tout au
long de ce film, de l’humour et des rires, de la musique, et de l’espoir.
Celles qui affrontent sans peur toute cette adversité sauront s’échapper et triompher
– comme lorsqu’elles s’affrontent lors des battles de hip hop. </div>
Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-57512852405071967692014-09-14T06:03:00.001-07:002014-09-14T06:03:11.282-07:00Mardi 16 septembre, Laurent Bourdelas est l'invité de Véronique Henry pour son Histoire de Limoges<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1YoBU7Ba6Z5JoPhisLmTuqJD6melgzcXiXTyb_adDaqP-CegQSPBiYV0iDC61f6L038-AoDNOdM9q_hyphenhyphenSXivX3XcKDHBqicFNwhpBoYWSZ1eCEHVLs-4IS5PWn3ORnKmLeOseflyabow/s1600/Couverture+Histoire+Limoges.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1YoBU7Ba6Z5JoPhisLmTuqJD6melgzcXiXTyb_adDaqP-CegQSPBiYV0iDC61f6L038-AoDNOdM9q_hyphenhyphenSXivX3XcKDHBqicFNwhpBoYWSZ1eCEHVLs-4IS5PWn3ORnKmLeOseflyabow/s1600/Couverture+Histoire+Limoges.jpg" height="320" width="240" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
A 18h05, juste après le journal de France Bleu Limousin (103.5), il présente son ouvrage de 268 pages et 250 illustrations. </div>
<div style="text-align: justify;">
(Signature à la librairie Page & Plume de Limoges le samedi 11 octobre). </div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5121065246438963247.post-72232491464770559352014-09-14T05:59:00.002-07:002014-09-14T05:59:10.994-07:00Un beau livre à propos de 14-18<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgANsRqUQsX89WJY4NBqaNWd_DwOG4CQ-mZoYfxU1oue0XNSD9gvl2_BW1M4YWtkFBZhxW9lZOh2QA2u4BlHOoLJkSp7mofGvYEpCXMXZA5PQSJxHiaKebghmT7NHOgfw2Jdfa38aWUghM/s1600/14.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgANsRqUQsX89WJY4NBqaNWd_DwOG4CQ-mZoYfxU1oue0XNSD9gvl2_BW1M4YWtkFBZhxW9lZOh2QA2u4BlHOoLJkSp7mofGvYEpCXMXZA5PQSJxHiaKebghmT7NHOgfw2Jdfa38aWUghM/s1600/14.jpg" height="320" width="216" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Agrégé d'histoire, docteur, universitaire, Jean-Noël Grandhomme livre ici un livre richement illustré, clair, intelligent, à propos du premier et dévastateur conflit mondial. Le "plus" de cet ouvrage, en cette année de Centenaire: un itinéraire de découverte de l'ancien front, de la mer du Nord à la suite. </div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0